Fragmento de la conferencia de Marina Abramovic. Primera Bienal de Performance en el Centro de Arte Experimental UNSAM - 27/04/2015 -
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[En la pantalla comienza a proyectarse el video The Other: “Rest Energy”]
Marina Abramovic: Esto es muy importante. Hubo dos momentos
en mi vida [obra] en que tuve que confiar o dar el poder al otro. Uno fue en Rhythm 0, al público, y otro fue en esta
obra, al hombre que amé, esto es The
Other: “Rest Energy”.
Digo que tuve que confiar profundamente porque la cuerda
se tensa y la flecha está apuntando directo a mi corazón.
Esta es una pieza muy importante para mí porque fue una
experiencia de profunda confianza.
El único sonido era el de los dos
corazones latiendo que habíamos conectado para oír entre nosotros, y a medida que
pasaba el tiempo los latidos eran más fuertes, latían más y más rápido.
Andrea Giunta: ¿Por qué la flecha apunta a vos y no a Ulay?
Marina Abramovic: [Suspira] No sé, es cómo estaba acordada
nuestra relación supongo.
[Risas en el auditorio]
Marina Abramovic: Cuando estuvimos en China a él le hicieron esta misma pregunta:¿Por qué la flecha apunta a ella y no a él?. Él respondió: porque su corazón es mi
corazón también.
¡Qué romántico! [Sonríe cómplice con el público]
¡Qué romántico! [Sonríe cómplice con el público]
La traducción es mía. L.L.
Lectura Teoría del Arte. Omar Calabrese . El lenguaje del arte. Buenos Aires: Ed. Piados, 1997.
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El eje del trabajo transcurre sobre la pregunta de si el arte es un lenguaje. Durante el siglo XX se distinguen dos líneas de pensamiento: quienes sostienen que el arte es un fenómeno único e irrepetible (por lo cual es imposible recoger su esencia de forma racional) y, quienes plantean que el arte tiene el mismo estatuto que el lenguaje como objeto estructurado del que se puede llegar a comprender su mecanismo de funcionamiento interno. El libro aborda las complejidades de esta segunda línea definiendo sus métodos y distintas corrientes de modelos lingüísticos de investigación (el simbolismo americano, el purovisualsmo, la filosofía neokantiana, la iconología, la historia de las formas, la teoría de la Gestald, la psicología de la percepción) considerando los diversos enfoques que consideran al arte en tanto comunicación.
Lectura Teoría del Arte. Pierre Bourdieu . Las reglas del arte- Génesis y estructura del campo literario. Barcelona: Anagrama, 1997.
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Las reglas del
arte pone en relieve, a través de la novela “La educación sentimental” de Gustave Flaubert (1868), la indagación sobre la
génesis y la estructura del campo estético literario. La lectura de Bourdieu no
sólo nos deja penetrar en el análisis sociológico del mundo social en el que ha
sido escrita sino también plantearnos en qué
condiciones sociales surge el proyecto creativo de Flaubert y por qué
éste es posible. La“fórmula generadora”
de la obra y su “puesta en marcha” se determina bajo el estudio analítico de la
génesis y el campo literario en el que se configuró. De modo que supera las
alternativas tradicionales de “lectura interna” (como proponen los formalistas
desmontando los textos de su contexto y promoviendo un estudio
autorreferencial) y la “lectura externa” (que maneja los fundamentos de
comprensión e interpretación extraliteraria como los factores económicos y
sociales, a los que adhieren Lukács y Goldmann, entendiendo la obra como
reflejo o expresión simbólica de un grupo social). Para Bourdieu la noción de
“campo” permite también superar la antinomia de la separación entre la
estructura sincrónica y la histórica. El paso de una estructura a otra opera en
este caso a través de la dinámica de la oposición que se sucede dentro del
campo. Propone un análisis del génesis de las disposiciones que permiten acceso
al campo (hábitus).
Entre lo documental y la ficción el Director Jem Cohen va entrelazando la historia de dos extraños, una turista y un guardia de sala del Kunsthistorisches Art Museum, que nos llevarán por las calles de Viena, sus historias y costumbres, como también por las sensaciones que experimentan tanto allí como en las salas del Museo.
Los personajes conforman una especie de bisagra entre lo documental y cierta interpretación o aporte subjetivo de lo que se documenta pero siempre estableciendo un narración paralela, dentro de la ficción, que de algún modo completa lo que pareciera ser el núcleo de la película, a mi parecer, una especie de paralelismo entre la obra de Pieter Brueghel y la cotidianidad de los personajes.
Por qué digo bisagra? porque los actores de esta historia, más allá de los que aparecen circunstancialmente en escena, no son actores profesionales sino que fueron elegidos por el Director por otras cualidades referentes a su vida particular que, de algún modo, se reflejan en la película. Por lo que su accionar en las escenas queda indefinido también entre lo ficcional y sus propias personas.
A mitad de la película hay una escena donde un grupo participa en una visita guiada por el Museo. No sé ni queda claro hasta qué punto es real, quiero decir, documental o ficticia esta escena, pero la guía cuenta acerca del pintor Brueghel, al que llamaban "Brueghel, el campesino" ya que solía vestirse como tal para poder pintar con mayor exactitud sus costumbres, las de los campesinos. Continúa explicando que las pinturas que retrataban la vida campesina no eran comunes en esa época, pudiendo Brueghel, por sus detalles, considerarse un documentalista. Las obras contienen mucha información sobre la realidad diaria de las clases mas bajas, dice la guía, pero no muestra solo hechos, son mas profundas, aunque no sentimentales ni emiten juicio. Es un mundo entre lo fantástico y lo real, una especie de rompecabezas simbólico donde se colecta objetos, rituales y se los pone en un mismo lugar generando un mensaje más profundo, lo llama: "alucinaciones de lo real", donde se contienen lo alegórico y lo realista.
Cuánto tienen que ver todavía estas pinturas con la actualidad, afirma la guía, y creo que ésto es lo que claramente expresa la película, y lo hace de un modo similar al de Brueghel, difuminando las fronteras entre lo real y lo imaginario o simbólico.
En la obra de Jem Cohen se genera una fusión muy profunda entre estas dos dimensiones, la real y la ficticia, entre el vida y el arte, entre la ciudad, el museo y el vínculo de los personajes, donde es difícil encontrar el centro de la obra, al igual que en las pinturas de Pieter Brueghel.
Los personajes conforman una especie de bisagra entre lo documental y cierta interpretación o aporte subjetivo de lo que se documenta pero siempre estableciendo un narración paralela, dentro de la ficción, que de algún modo completa lo que pareciera ser el núcleo de la película, a mi parecer, una especie de paralelismo entre la obra de Pieter Brueghel y la cotidianidad de los personajes.
Por qué digo bisagra? porque los actores de esta historia, más allá de los que aparecen circunstancialmente en escena, no son actores profesionales sino que fueron elegidos por el Director por otras cualidades referentes a su vida particular que, de algún modo, se reflejan en la película. Por lo que su accionar en las escenas queda indefinido también entre lo ficcional y sus propias personas.
A mitad de la película hay una escena donde un grupo participa en una visita guiada por el Museo. No sé ni queda claro hasta qué punto es real, quiero decir, documental o ficticia esta escena, pero la guía cuenta acerca del pintor Brueghel, al que llamaban "Brueghel, el campesino" ya que solía vestirse como tal para poder pintar con mayor exactitud sus costumbres, las de los campesinos. Continúa explicando que las pinturas que retrataban la vida campesina no eran comunes en esa época, pudiendo Brueghel, por sus detalles, considerarse un documentalista. Las obras contienen mucha información sobre la realidad diaria de las clases mas bajas, dice la guía, pero no muestra solo hechos, son mas profundas, aunque no sentimentales ni emiten juicio. Es un mundo entre lo fantástico y lo real, una especie de rompecabezas simbólico donde se colecta objetos, rituales y se los pone en un mismo lugar generando un mensaje más profundo, lo llama: "alucinaciones de lo real", donde se contienen lo alegórico y lo realista.
Cuánto tienen que ver todavía estas pinturas con la actualidad, afirma la guía, y creo que ésto es lo que claramente expresa la película, y lo hace de un modo similar al de Brueghel, difuminando las fronteras entre lo real y lo imaginario o simbólico.
En la obra de Jem Cohen se genera una fusión muy profunda entre estas dos dimensiones, la real y la ficticia, entre el vida y el arte, entre la ciudad, el museo y el vínculo de los personajes, donde es difícil encontrar el centro de la obra, al igual que en las pinturas de Pieter Brueghel.
El visitar una exposición de Ron Mueck genera la sensación de estar teniendo una experiencia antropológica, nos ubica en el lugar de un espectador estudioso de la naturaleza humana, sus costumbres y cultura.
En su obra no solo la morfología humana es tratada de un modo exhaustivamente realista y objetivo sino que los personajes y su contexto o circunstancia son absolutamente contemporáneos. Su verosimilitud con la vida cotidiana, objetos, materiales y texturas es inmediata.
El idealismo y romanticismo están totalmente ausentes en la obra del artista, en cambio se destacan la crudeza y cierto naturalismo en el sentido de representar con una objetividad documental escenas de la vida humana.
Asimismo, hay una característica fundamental, de igual valor en su trabajo, que nos distancia de estos seres y los ubica como objetos de estudio u observación, la utilización de magníficas o pequeñas dimensiones.
La variación de tamaños de la escala humana es la herramienta con la que desdibuja las fronteras del realismo y agrega la necesaria dosis de subjetividad para determinar nuestro punto de vista sobre la obra, el cual, a distintos niveles, nos permite interpretar y representar las escenas.
Las obras de grandes dimensiones generan en uno la sensación de estar curioseando, tomando provecho del diminuto tamaño en el que quedamos, para husmear en la intimidad de una pareja o individuo determinado. En cambio, cuando la obra es llevada a dimensionas más pequeñas que la nuestra la sensación es la contraria, desde un plano superior la contemplación de la vida y naturaleza humana aparenta ser algo fácilmente abarcable o manipulable, como si se tratara de marionetas que teatralizan nuestro día a día.
Estos son los niveles que se nos ofrecen, al comenzar un recorrido por la obra de Ron Mueck, para abarcar y tomar conocimiento de las situaciones que plantea el artista. Sus obras contienen este elemento clave gracias al cual podemos asistir a escenas de la vida humana desde otros ángulos.
Mask II, obra con la que comienza la exhibición de Ron Mueck en la Fundación PROA, es el símbolo de este juego ilusorio que nos propone el artista en el sentido de ofrecernos diversas perspectivas sobre nosotros mismos, donde la ficción nos permite penetrar en el universo de nuestra realidad y donde, explícitamente en este caso, lo que aparenta ser real es una disfraz, una máscara, una ficción.
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