a-venar

pegatinas nomeolvides

2012-01-08T12:33:00.000-08:00

nomeolvides-Plaza J C Fumarola

2011-11-19T05:56:00.000-08:00

http://www.telam.com.ar/nota/7591/

http://www.pagina12.com.ar/diario/elpais/1-181559-2011-11-19.html

http://primerapagina93.blogspot.com/2011/11/plaza-julio-cesar-fumarola_20.html

http://periodicovas.com/homenaje-a-julio-cesar-fumarola/#axzz1eHrmOuS2

http://www.prensaanm.com.ar/pei/md_nota.asp?id=10104

http://www.madresfundadoras.org.ar/noticia/JulioFumarola/793

mural con los niños del sábado 19-11-2011

Proyecto Murales Flores Macro

2011-09-17T19:44:00.000-07:00

no me olvides

2011-03-19T14:54:00.000-07:00

noche carbonilla

2011-03-15T17:26:00.001-07:00

artistas al servicio de la comunidad -BS AS-

2011-03-13T16:16:00.000-07:00

José Antonio Cabrera y Gurruchaga

(carbonilla)

Soler al 4500

Malabia al 2000

Nicaragua y Gurruchaga

Soler 4700

Uriarte 1300

Lerma al 600

Acevedo y Lerma

Inauguración Mujheroes en Cuba

2010-09-22T14:34:00.000-07:00

http://www.granma.cubaweb.cu/2010/09/15/cultura/artic03.html

y el sexto anuncio de esta publicación:

http://www.ohch.cu/programa-cultural/index.php?secc_id=2&secc=Exposiciones&anno=2010&mes=09

fotos inundART Girona

2010-05-20T07:52:00.000-07:00

fotos expo DENOMINACIÓN de ORIGEN

2010-05-20T07:28:00.000-07:00

expo DENOMINACIÓN de ORIGEN

2010-05-04T08:25:00.001-07:00

clikear para ampliar

http://www.consuladoargentinobarcelona.com/04_Cultura/04_DActvAnterior.htm

inund'ART

2010-04-08T11:23:00.000-07:00

Próxima expo...

clickear para ampliar

montaje FAX expo

2010-01-23T08:14:00.000-08:00

FAX expo

2010-01-23T07:53:00.000-08:00

http://santandreucontemporani.wordpress.com/2010/01/07/fax-a-cura-dantonio-ortega-i-alex-reynolds/

voten!

2010-01-09T06:21:00.000-08:00

Acá hay una parte de mi último trabajo:

http://www.artistswanted.org/Lucrecia

Si les gusta, pueden votar por mi obra !
gracias!

lu

también estoy aquí:

2009-12-22T17:08:00.000-08:00

http://www.talenthouse.com/lucrecia

Internacionalización selectiva. Declaración de Chico Buarque

2009-12-16T10:17:00.000-08:00

Durante un debate en una universidad de Estados Unidos, le preguntaron al ex gobernador del Distrito Federal y actual Ministro de Educación de Brasil, CRISTOVÃO 'CHICO' BUARQUE, qué pensaba sobre la internacionalización de la Amazonia?
Un estadounidense en las Naciones Unidas introdujo su pregunta, diciendo que esperaba la respuesta de un humanista y no de un brasileño.
Ésta fue la respuesta del Sr. Cristóvão "Chico" Buarque:

'Realmente, como brasileño, sólo hablaría en contra de la internacionalización de la Amazonia. Por más que nuestros gobiernos no cuiden debidamente ese patrimonio, él es nuestro. Como humanista, sintiendo el riesgo de la degradación ambiental que sufre la Amazonia, puedo imaginar su internacionalización, como también de todo lodemás, que es de suma importancia para la humanidad. Si la Amazonia, desde una ética humanista, debe ser internacionalizada, internacionalicemos también las reservas de petróleo del mundo entero. El petróleo es tan importante para el bienestar de la humanidad como la Amazonia para nuestro futuro. A pesar de eso, los dueños de las reservas creen tener el derecho de aumentar o disminuir la extracción de petróleo y subir o no su precio. De la misma forma, el capital financiero de los países ricos debería ser internacionalizado. Si la Amazonia es una reserva para todos los seres humanos, no se debería quemar solamente por la voluntad de un dueño o de un país. Quemar la Amazonia es tan grave como el desempleo provocado por las decisiones arbitrarias de los especuladores globales. No podemos permitir que las reservas financieras sirvan para quemar países enteros en la voluptuosidad de la especulación. También, antes que la Amazonia, me gustaría ver la internacionalización de los grandes museos del mundo. El Louvre no debe pertenecer solo a Francia. Cada museo del mundo es el guardián de las piezas más bellas producidas por el genio humano. No se puede dejar que ese patrimonio cultural, como es el patrimonio natural amazónico, sea manipulado y destruido por el sólo placer de un propietario o de un país. No hace mucho tiempo, un millonario japonés decidió enterrar, junto con él, un cuadro de un gran maestro. Por el contrario, ese cuadro tendría que haber sido internacionalizado. Durante este encuentro, las Naciones Unidas están realizando el Foro Del Milenio, pero algunos presidentes de países tuvieron dificultades para participar, debido a situaciones desagradables surgidas en la frontera de los EE.UU. Por eso, creo que Nueva York, como sede de las Naciones Unidas, debe ser internacionalizada. Por lo menos Manhatan debería pertenecer a toda la humanidad. De la misma forma que París, Venecia, Roma, Londres, Río de Janeiro,Brasilia... cada ciudad, con su belleza específica, su historia del mundo, debería pertenecer al mundo entero. Si EEUU quiere internacionalizar la Amazonia, para no correr el riesgo de dejarla en manos de los brasileños, internacionalicemos todos los arsenales nucleares. Basta pensar que ellos ya demostraron que son capaces de usar esas armas, provocando una destrucción miles de veces mayor que las lamentables quemas realizadas en los bosques de Brasil. En sus discursos, los actuales candidatos a la presidencia de los Estados Unidos han defendido la idea de internacionalizar las reservas forestales del mundo a cambio de la deuda. Comencemos usando esa deuda para garantizar que cada niño del mundo tenga la posibilidad de comer y de ir a la escuela. Internacionalicemos a los niños, tratándolos a todos ellos sin importar el país donde nacieron, como patrimonio que merecen los cuidados del mundo entero. Mucho más de lo que se merece la Amazonia. Cuando los dirigentes traten a los niños pobres del mundo como Patrimonio de la Humanidad, no permitirán que trabajen cuando deberían estudiar, que mueran cuando deberíanvivir. Como humanista, acepto defender la internacionalización del mundo, pero, mientras el mundo me trate como brasileño, lucharé para que la Amazonia, sea nuestra. ¡Solamente nuestra!'.

OBSERVACIÓN: Este artículo fue publicado en el NEW YORK TIMES, WASHINGTONPOST, USA TODAY y en los mayores diarios de EUROPA y JAPÓN.
En BRASIL y el resto de Latinoamérica, este artículo no fue publicado.

chocolate with mom

2009-12-06T15:43:00.000-08:00

2009-11-21T09:44:00.000-08:00

las chicas exponen-pati limona

2009-10-22T03:59:00.001-07:00

a las titas

2009-09-20T20:49:00.000-07:00

Expo y fiesta del vino en Auvigné Sur Layon

2009-09-03T06:37:00.000-07:00

De la noche hacia el día, tiempo en regresión.
Músicos, cantantes, bailarines, artistas plásticas, amigos, organizadores, vecinos, y buenos e incansables catadores de vino por doquier...

Blog de un amigo de mi obra

2009-09-03T05:37:00.000-07:00

http://aloreedespeutetre.over-blog.com/article-35551793.html

cumple de J!

2009-08-24T12:44:00.000-07:00

CÓMO ME QUIEREN MIS HERMANITOS! LAS DEMÁS FOTOS NO LAS PONGO PORQUE SON UN ESCRACHO!

Doctorado en Humanidades UPF

2009-08-10T08:12:00.000-07:00

http://www.upf.edu/doctorats/_pdf/llistes09_10/llistats_tercer/provisionals/preins_pro_humaniPHD.pdf

nuevo blog SÓLO artístico

2009-08-07T10:40:00.000-07:00

Gente, estoy construyendo un sitio sólo para mi obra artística. La última, porque ya no aguanto estar una eternidad recopilando obra del ordenador para publicarla. Quizá con más tiempo lo haga.
Bienvenidos!
www.lucrecialiterasrondon.blogspot.com

Lo de la página se me hace complicado por lo cual puse un blog. Además se puede actualizar más fácil.

Saludos!
LUCRE

summer time

2009-08-07T07:37:00.000-07:00

volver-serie lavanderas

2009-08-07T07:31:00.001-07:00

butterflies...very romantic, m.

2009-07-27T11:32:00.000-07:00

All you gotta do is just walk away and pass me by
Don't acknowledge my smile when I try to say hello to you, yeah
And all you gotta do is not answer my calls when
I'm trying to get through
To keep me wondering why, when all I can do is sigh
I just wanna touch you
[Chorus]
I just wanna touch and kiss
And I wish that I could be with you tonight
You give me butterflies inside, inside and I
All I gotta say is that I must be dreaming, can't be real
You're not here with me, still I can feel you near me
I caress you, let you taste us, just so blissful listen
I would give you anything baby, just make my dreams come true
Oh baby you give me butterflies
[Chorus]
I just wanna touch and kiss
And I wish that I could be with you tonight
You give me butterflies inside, inside and I
I just wanna touch and kiss
And I wish that I could be with you tonight
You give me butterflies inside, inside and I
If you would take my hand, baby I would show you
Guide you to the light babe
If you would be my love, baby I will love you, love you
'Til the end of time
[Chorus]
I just wanna touch and kiss
And I wish that I could be with you tonight
You give me butterflies inside, inside and I
I just wanna touch and kiss
And I wish that I could be with you tonight
You give me butterflies inside, inside and I
I just wanna touch and kiss
And I wish that I could be with you tonight
You give me butterflies inside, inside and I

dancing, dancing!

2009-07-23T07:47:00.001-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=ZKJu4gxdLkM

es que me gusta muchooooo

2009-07-21T15:19:00.000-07:00

Escucha "You rock my world"

My life will never be the same
'Cause girl, you came and changed
The way I walk
The way I talk

I cannot explain the things I feel for you
But girl, you know it's true
Stay with me, fulfill my dreams
And I'll be all you'll need

Oh, oh, oh, oh, ooh, it feels so right (Girl)
I've searched for the perfect love all my life (All my
life)
Oh, oh, oh, oh, ooh, it feels like I (Like I)
Have finally found her perfect love is mine (See, I
finally found, come on, girl)

You rocked my world, you know you did
And everything I own I give (You rocked my world)
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine (You rocked my world)

You rocked my world, you know you did (Girl)
And everything I own I give (I want you, girl)
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine

In time I knew that love would bring
This happiness to me
I tried to keep my sanity
I waited patiently

Girl, you know it seems
My life is so complete
A love that's true because of you
Keep doing what you do

Oh, oh, oh, oh, who'd think that I (Oh)
Have finally found the perfect love I searched for all
my life (Searched for all my life)
Oh, oh, oh, oh, who'd think I'd find
(Whoa...oh...oh...)
Such a perfect love that's so right (Whoa, girl)

You rocked my world, you know you did (Come on, come
on, come on, come on)
And everything I own I give
The rarest love who'd think I'd find (Girl)
Someone like you to call mine (You rocked my world)

You rocked my world (You rocked my world), you know
you did
And everything I own I give (Girl, girl, girl)
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine (Girl)

You rocked my world, you know you did (Oh)
And everything I own I give (You rocked my world)
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine

You rocked my world (Oh...), you know you did
And everything I own I give (To rock my world)
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine

Girl, I know that this is love
I felt the magic all in the air
And girl, I'll never get enough
That's why I always have to have you here, hoo

You rocked my world (You rocked my world), you know
you did
And everything I own I give (Look what you did to
me, baby, yeah)
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine (You rocked my world)

You rocked my world, you know you did (Know you did,
baby)
And everything I own I give ('Cause you rocked my
world)
The rarest love who'd think I'd find (Hoo, hoo)
Someone like you to call mine

(You rocked my world)
You rocked my world, you know you did
(The way you talk to me, the way you're lovin' me)
(The way you give it to me)

You rocked my world, you know you did
(Give it to me)
(Yeah, yeah, yeah...yeah...ooh)
You rocked my world (You rocked my world), you know
you did
(You rocked my world, you rocked my world)

(Come on, girl) You rocked my world (Come on, girl),
you know you did
(Baby, baby, baby)
And everything I own I give
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine

You rocked my world, you know you did
And everything I own I give
The rarest love who'd think I'd find
Someone like you to call mine

Solaris (1972)

2009-07-20T14:47:00.000-07:00

Dirigida por Andréi Tarkovsky, Solaris nos retrotrae a las relaciones del hombre con la naturaleza y con sí mismo. Con los deseos más profundos del ser humano, sus miedos, obstáculos y desafíos. Los posicionamientos frente a lo desconocido se plantean dentro del ámbito de lo moral, por un lado, dejando al hombre al descubierto en su anhelo de poder, de control del universo que lo circunda, y por otro, del respeto y la conciencia de lo vulnerable del ser humano como parte de algo más grande, de un todo orgánico y equilibrado. Las contradicciones se presentan cuando en el afán de dominio y dirección del universo, de la naturaleza y el cosmos, lo infinito e inconmensurable se transforma en un organismo de reflexión, de conocimiento de nuestro propio ser. De algún modo, la simbología de los elementos naturales encierran un carácter magnánimo frente al intento de observación, comprobación y registro de la ciencia. Personificada en Kelvin, el conocimiento que ella detenta es reflejado cual espejo en un océano cósmico que devuelve la imagen del propio indagador, sus temores, sospechas, los aspectos más huidizos y escondidos en lo recóndito de la persona. La pregunta se vuelve contra nosotros convirtiéndonos en objetos desconocidos y volviendo endeble nuestra presunción primera de conducción y gobierno sobre lo que somos y lo que nos rodea.
El océano de Trkovski expresa nuestra torpeza avasalladora de conocimiento, de dominación del mundo, del imperio del método y la lógica frente a lo más delicado y efímero de nuestra existencia, frente a la falta de respuesta a las preguntas más básicas sobre nuestro ser. La incoherencia se expresa en el deseo de superioridad sobre el otro cuando ni siquiera logramos descifrar el por qué de nuestras cotidianas y primitivas agonías.

Para contar la realidad hay que ser surrealista

2009-07-20T14:37:00.000-07:00

El ángel exterminador (1962) de Luis Buñuel quizá sea una de aquellas películas que quedan en la historia del cine como documentos que extraen de forma poética e ingeniosa fragmentos de nuestras realidades sólo perceptibles en su totalidad a través de la expresión artística y su poder de síntesis de los aspectos más simbólicos e inconscientes de nuestra existencia. Pone a la luz certezas o intuiciones propias del observador sensible y de los indagadores aventureros del comportamiento humano. En la línea del pintor francés Théodore Géricault y su obra "La balsa de la Medusa", la predecible catástrofe y degradación humana que se va anticipando en el transcurrir de una velada de la alta sociedad mexicana, va a ir "in crescendo" con unos primeros signos sutiles, luego más grotescos, de miseria exacerbada por la desesperación, la angustia y el desamparo ante una situación incontrolable.
La obra comienza con la escena de algunos empleados domésticos que son dominados por una extraña sensación, intuición o alarma, de que deben abandonar el espacio en el que se encuentran. La necesidad es tan urgente que se marchan sin explicación racional de sus puestos de trabajo, dejando a los dueños e invitados de la mansión con la cena lista para el banquete y con la única ayuda del más fiel a los patrones, el mayordomo de la residencia. Al término de la cena, los invitados se trasladan a una especie de sala de estar de la cual no podrán salir durante el resto de la película por más que lo intenten. De modo espontáneo, cada uno de los personajes va siendo presa de un deseo de escapar y de la imposibilidad de hacerlo. Adormecidos frente a la impotencia, se van descubriendo sus perfiles más indignos, despreciables y avaros tras el refinado y delicado comportamiento aristocrático. El interior de la mansión de los Nóbile nos subsume en las profundidades inconscientes de un grupo de personas en situación de ahogo, necesidad y desamparo que delatan sus facetas oscuras y perversas alejadas de las costumbres o convenciones tradicionales propias de la alta sociedad y sus cultivadas normas de cortesía. Se revela una especie de polaridad donde las normas de la etiqueta y distinción de clase abrigan las más bajas y humillantes contradicciones humanas.
Las repeticiones y situaciones ridículas acentúan el transcurrir, el pasaje de una conducta a otra, con el asombro de los personajes poseídos por las mismas y la sorpresa del observador. Intentando describir el suceder de algo inmanejable, incontrolable por los propios habitantes, tanto en su intuición de la catástrofe como en el abandono a su destino, se destaca el despojo de las apariencias clasistas.

http://www.youtube.com/watch?v=EtGF2m102Wg

2009-07-09T17:05:00.000-07:00

Si no lo pueden ver es la dirección de acá arriba.
Un gesto de tu amor es mi Edén, Natu!
Gracias!

That's What Friends Are For- Regalo de Natalia para mí. ¿Hay algo más hermoso?

2009-07-09T16:54:00.001-07:00

Te amo Nati!!!Te amo!

Videos graduación Master!

2009-07-08T05:55:00.000-07:00

Fotos graduación Master!!!

2009-07-08T05:51:00.000-07:00

Acto de graduación del Master!!! (dedicado a los que me quieren y se bancaron todos mis antojos!!!)

2009-07-04T03:23:00.000-07:00

Acte de graduació de màsters i doctorats 2009

L'acte de graduació de màsters i doctorats 2009 tindrà lloc el proper 7 de juliol, a les 20 hores, a l'auditori del Campus de la Ciutadella. Els participants han d'arribar 30 minuts abans de l'inici de l'acte per acreditar-se i recollir les entrades a l'auditori.

Programa de l'acte

19.30 hores
Registre

20.00 hores
Benvinguda de Josep Joan Moreso, rector de la UPF
Lliçó de graduació "Of mice and men: reflexions sobre l'ètica de l'experimentació amb animals", a càrrec de Lluís Ferrer, ex-rector de la UAB
Penses en mi, de Jerome Kern, i Bullerenque (ritme colombià), a càrrec del Cor de la UPF
Lliurament de diplomes commemoratius als nous doctors i graduats
Parlament de la graduada Bruna Generoso Miralpeix, en nom i representació de la promoció 2009
Parlament i cloenda de l'acte, a càrrec del rector
Gaudeamus igitur, interpretat pel Cor de la UPF

21.00 hores
Aperitiu ofert pel programa UPF Alumni

Darrera actualització: 2-07-2009
© Universitat Pompeu Fabra, Barcelona

Yo estuve ahí!!!

2009-06-27T07:51:00.001-07:00

Revolucionario de la música, la danza y el video musical!
Él es el artista que en la historia del hombre más dinero donó a causas humanitarias de niños desamparados y enfermos! Como los grandes transformadores culturales y artisticos murió en la soledad, explotado y degradado en los aspectos más miserables del ser humano. Sabían que el papel higiénico se hace con los restos de papel de diario? Cuántos habrán comido con su don y popularidad y cuántos comerán ahora! Gracias por la magia y la fatasía M.!!!Con vos era posible andar sin movernos! Buen viaje y bien merecido!!!! La humanidad te debe una y yo el imaginar sin límites!

http://www.youtube.com/watch?v=0Jg6MXht-JU

spend lifetime-travelling without moving-

2009-05-16T08:42:00.000-07:00

Touch me in the night time
All I want from you is love
And I know you can give
such sweet moments
To last me so long
Cos, you make me feel so strong

All I want to do is spend a
lifetime with you, baby
Make it happen
All I want to do is spend a
lifetime with you, baby
Oh girl
All I want to do is spend a
lifetime with you, baby

Cos you make me that good
And nothing else matters
Until you're in my arms, girl
And all those broken promises
we made to each other
We have so much more to give
I know that we can do this
That's how I want to live
Eternally together

All I want to do is spend a
lifetime with you, baby
All I want to do is spend a
lifetime with you, baby

Will you make it happen for us now
Please this time
You know
I need your touch honey
I want your touch honey
Like the morning sun has just begun
Girl, like the rain on my window pane
Girl, if I could make you stay
More than one day
Eternally together
Oh girl
I need your touch
Oh girl
I want your loving
Sweet, you know that we can make it happen
For you and for me to be
And eternally togetherwe will be

charla de web y hueveo...

2009-04-25T15:06:00.000-07:00

Todo empezó con “Nunca fuimos modernos” (Juan José)

Jorgelina
a qué llamás modernos?

Anngy
Estás en lo cierto; convivimos tranquilamente entre visitar a la bruja y cds de música new age, entre lo pre y lo post moderno, pero muy muy lejos de llegar a ser modernos.. Creo que nos saltamos alguna etapa...

Gabriel
"Soy moderno: no fumo más..." Federico Moura, fallecido cantante de Virus, contemporáneo

Juan José
Yo creo que tendría que haber nacido en el siglo XIII... XIV a más tardar

Federico
Blanquea tu fuente Nardi: todos sabemos que sos culto a pesar de tu peronismo! Y aprovecho para referirme también a lo de Agote y su elogio del "profesor honorario": no comments.

Juan José
jajajajajja... Un reconocimiento para el profesor Latour entonces...

Gabriel
Si se fija bien, Don Federico, no hay un elogio explícito de mi parte, sólo una alusión jauretcheana al marco de la convocatoria...

Jorgelina
estamos en un siglo en donde el modernismo ha quedado atrás hace mucho. Ha muertto también el posmodernismo...

Juan José
Yo no digo que quedaron atrás... sino que nunca lo fuimos

Lucrecia
no extrapolaría categorías ni casos. La realidades, y la realidad latinoamericana necesita ser reconocida bajo con sus propias herramientas.

Lucrecia
Federico, estoy en desacuerdo con tu concepto de cultura. La cultura no es sólo de los poderosos. Es más, se alimentan de los de abajo.

Jorgelina
cultura es todo lo que precede a una sociedad. Se evalua según épocas estamos en el pot posmodernismo, q se caracteriza x yuxtaposición de valores antiguos con ideales rotos. La modernidad no dejó de lado el renacimiento solo lo reformó. Es cuasi circular.

Lucrecia
Sí, creo, Jorgelina, que la cultura la construimos entre todos. Pero creo también que una evaluación en profundidad no la da la época. Es lo mismo, es muy genérico. Hay variables locales que son muy importantes a tener en cuenta para no olvidarnos de nadie y ser respetuosos con las particularidades de cada caso, sus conexiones y distancias. No es lo mismo hablar de los años 60 en Argentina, que en Sudáfrica, que en la India. Podés contar en macro la situación pero todos poseen sus características distintivas. Digo una década para acotar hechos.

Gabriel
Juanjo... Si por "modernidad" se entienden una serie de "ilusiones" que proyecta -como ideales a realizar en el tiempo...- un momento de la cultura europea... ¿Hay algo más "moderno" en la Argentina que la utopía del "hombre nuevo" que impulsó el peronismo...?

Tamara
El peronismo es una mentira muchachos... Un movimiento megalomano disfrazado de bien social... dejense de joder...Somos un invento surrealista al que damos sentido cada uno como puede. Esat bien, que cada uno crea en lo que quiera...Besos.Amistad a pesar del peronismo (suena bien para un titulo de lo que sea)Tamy

Juan José
En realidad a mí me gusta más amigos a pesar del gorilismo y la ignorancia

Tamara
Supones que todo el que no es peronista es ignorante?? jajjajaa es cuestion de perspectivas. Igual, ultimamente es top ser peronista...

Juan José
No...no es por no ser peronista. Tu afirmación tiene tufillo gorila, es cierto, pero no por eso sos ignorante. El problema que tiene la reflexión sobre la historia y la sociedad -entre otros muchos temas- a diferencia de, por ejemplo, la biología molecular es que la gente cree que puede hablar libremente de temas acerca de los cuales evidentemente sabe muy poco. Por eso lo de ignorante...Es más o menos lo mismo que vos debés pensar cuando tu mamá o tu papá hablan de tu psiquis.

Tamara
Si, se que mi comentario es gorila y tiene su razon de ser. Y los discursos son libres y circulan por todo mono parlante que ande suelto, nos incluidos (aunque a veces tambien a mi me sale el autoritarismo de adentro y mandaria cortar un par de lenguas y me asusto de mi, je). eY puede ser, pero entiendo desde que sesgo hablan los que hablan y tambien tienen su razon de ser. Somos bichos complicados... Seguimos personalmente qu es mas interesante...

Lucrecia
Cuando los hermanos se pelean, se los comen los de afuera. Es la historia de la Argentina.Me parece, Tamara, que los discursos no son libres, vos lo sabrás mejor pero yo creo que hablan un montón de voces por nosotros.Pienso que tendríamos que preguntarnos cuáles.Más saludable sería que fueran las que nos ayuden a querernos un poco más, a sacarnos de la miseria y la pobresa que vive nuestro país.Veo que los de afuera se ríen de cómo nos dejamos abandonar y vendernos, repoduciendo discursos y generando acciones a partir de intererses foráneos e individuales, autoexplotandonos, no lo entienden. cunado el barco se hunde, se hunde con todos, aunque algunos sean los últimos en ahogarse. A mi parecer somos bastante simples en estos casos, somos el "sálvese quien pueda", y definitivamente esto no forma parte de la iniciativa y sentimiento del movimiento popular peronista. Nuestra unidad no va a construir un imperio autoritario, solo protegernos.

Tamara
Creo que el discurso peronita es tomado por quien mas le conviene y estoy de acuerdo contigo en lo que decis de aunarnos en formar un pais como la gente. Pero me parece que traer el discurso peronista produce mas controversia que unidad nacional, ya que los que lo han sufrido no le tienen mucha simpatia. Me parece que ayuda mucho mas tomar responsabilidad personal y civica y asi expansivamente mejorar la sociedad en quie vivimos. Que cada uno se haga cargo y coopere desde el discurso que mas le guste y se sienta comodo. Son tambien la pluralidad de visiones y contradicciones las que nos enriquecen, sin intentar exterminar al otro.

Lucrecia
Estas charlas se tienen que repetir. Hasta pronto!!!

Lucrecia
Y gracias Tamara por tu respuesta!

Carta a Juanjo después de la polémica:

Juanjo, estuve un poco pesada, no? Es que estoy trabajando sobre las diferentes lecturas de la historia cultural argentina y me compenetré demasiado. Y, para ser sincera, para qué estamos en el mundo si no es para ayudarnos y cuidar de que todos podamos disfrutar igualmente de la vida, no? Uno no puede vivir, nacer y desarrollarse solo. Siempre necesita compartir. Expresar y encontrar respuesta. Esto último lo aprendí de Gregoria, vocal de la comunidad guaraní de Río Blanco, frontera con Bolivia. Y muchas cosas más. Apesar de ser peronista soy culta, viste! Aunque Gregoria es más que culta. Es sabia. Abrazo amigo!Lucrecia

nuevo blog de noticias

2009-04-21T13:17:00.000-07:00

noticias para refleccionar...

www.colectorasur.blogspot.com

iconología y cartel

2009-04-18T08:53:00.000-07:00

LLR

Sobre la problemática de lo visual dentro del contexto artístico podemos encontrar cantidad de estudios a lo largo de la historia que han intentado hallar determinadas certezas sobre el modo de abordar sus especificidades. Durante el siglo XX se han elaborado una serie de teorías que van desde la pura visibilidad, las estéticas simbólicas, la iconología, teorías psicológicas, psicoanalíticas y la semiótica. Asimismo, a tener a consideración, el metadiscurso postmoderno y la deconstrucción con autores como Lyotard, Derrida y Deleuze.[1] Se trata de diversas formas de investigar el mundo del arte con sus particulares y privilegiadas perspectivas para afrontar dicho fenómeno.
Sin descuidar los fundamentos sobre la cualidad estética de la obra, tanto en su construcción como en su recepción, que a mi parecer poseen ciertas manifestaciones producidas bajo el formato de cartel, y entendiendo a la misma como lenguaje, como fenómeno de comunicación y significación, es oportuno destacar que un posible y coherente acercamiento a su singularidad y cualidad artística lo da el análisis iconológico. Dentro del campo de la semiología, lo iconológico, estudia los emblemas y alegorías llegando a formular significados e interpretaciones a partir de su descripción iconográfica teniendo en cuenta diferentes espacios y tiempos como también elementos personales de cada autor. A diferencia de los formalistas, comprenden la forma y el contenido de un modo orgánico en conexión con otros documentos históricos privilegiando la literatura de la época.[2] Los casos más conocidos en cuanto a investigaciones de carácter iconológico abordan expresiones del Clasismo, la Edad Media y el Renacimiento tanto sobre iconología pagana, imágenes propias de la idolatría o religiones no cristianas; iconología profana o civil que comprende las figuras de personajes históricos fuera del culto religioso, y la iconología fundamentalmente religiosa que se refiere a imágenes procedentes de la religión. Siendo los formatos y medios de expresión diferentes en cada época, y concibiendo la imagen como forma de comunicación, la lectura de las mismas también cambia con lo cual el análisis iconológico resulta de mayor utilidad para adentrarnos en su mensaje, sus relaciones y especificidades. En el caso del cartelismo es viable extender su modelo teniendo en cuenta que la forma en que se estructura el objeto de estudio y las categorías utilizables son compatibles con una obra que, además de artística, posee una explicita función comunicativa.
Encontramos gran cantidad de estudios realizados sobre el cartelismo en Europa como, por ejemplo, el cartel de guerra, el cartel político, y más aún el propio cartel republicano.[3] Dentro de este campo, en las mediaciones entre arte y política, se suceden representaciones e imágenes de carácter metafórico en relación a ideas, a pensamientos, experiencias, muchas veces provistas de alguna frase o leyenda con la función de introducirnos en su significado de sentido moral, político o revelador en alguna orientación. Emblemas, aquí también, que se componen de una Figura, cuerpo que contiene el sentido y valor de lo que se quiere expresar , un Lema en la parte superior, inferior o sobre la figura misma a modo de sentencia, y en algunos casos un texto explicativo o Declaración que conecta la figura con el valor o sentido que encierra la obra ampliando y determinando su significado. Tales características son parte de la averiguación iconológica, que facilita además la confrontación con otras manifestaciones de la época; la evolución y antecedentes de los temas e imágenes, consecuentemente yendo de las partes al todo y del todo a las partes y poniendo mayor énfasis en el contexto y contenido de la obra. En general, las investigaciones sobre cartelismo rastrean el fenómeno a través del acopio de imágenes, documentos varios de la época como publicaciones y artículos de periódicos, indicaciones sobre literatura y pensadores del momento, señalamientos sobre eventos, datos y fechas de determinados hechos históricos influyentes y, por supuesto, apoyándose y dialogando con investigaciones previas de otros historiadores, sociólogos o estudiosos del tema.
Dentro de los temas más discutidos en la actualidad en relación al cartel y dentro de una postura, aunque no explícita quizá, sí de carácter iconográfica e iconológica, podemos hallar la polémica sobre el discurso publicitario; la relación entre el mercado y el arte, las fronteras entre lo público y lo privado, temas que pertenecen al devenir del siglo XX y que han sufrido un proceso de aceleración a través de nuevos medios y técnicas manifestando las influencias entre el diseño y el arte en lo que conforma la “cultura visual”. Este planteo predice una posible disolución de lo artístico por el concepto de la imagen al servicio del capital, el comercio y el consumo.[4] A partir de la indagación iconológica la imagen aparece como territorio del deseo determinando, en la sociedad occidental actual, el placer como el consumo de bienes y servicios. Cuestiones que pertenecen no sólo al cartel y a las relaciones entre arte y publicidad o diseño, sino a la manifiesta dependencia del mercado por el arte y las ofertas de nuevas técnicas, refieren a un cambio de paradigma dentro del campo artístico y un cambio profundo dentro de los modos de producción, distribución y recepción de la experiencia artística. Presentan como ejemplo la interrelación de lo digital con lo artesanal de la pintura, donde los espacios de la pintura y la publicidad antes bien delimitados, ahora se confunden. Los usos de estrategias publicitarias por parte de los artistas en la difusión o realización de su arte se compararía a la utilización por parte de la publicidad de los medios y avances artísticos para promover el consumo. Estas posturas sugieren la confluencia del arte y la publicidad en la mercantilización uniendo las dimensiones de los bienes de consumo y del mercado artístico, y donde la contraposición entre objeto de uso y objeto de contemplación se desvanece. Esto sería, que mientras el objeto de arte se convierte en mercancía, en los productos de diseño se rescatan ciertos valores y cualidades que antes se reservaban al mundo de la creación artística. Del mismo modo, arte y publicidad se comportan como generadores de significados, donde lo real y lo simbólico se mezclan y diluyen en lo cotidiano impulsando la estetización de la vida diaria. La publicidad dejaría de vender objetos sino como acceso a experiencias de potencia, libertad, seguridad, independencia, prestigio, etc, representando y conteniendo niveles de valor. El arte, en este sentido, se encontraría obligado a competir con otras formas de producción de imágenes visuales, compitiendo con diseñadores y publicistas que dominan los procesos de comunicación mejor que ellos. Los medios de comunicación irrumpen como la más grande y poderosa máquina productora de imágenes, más vasta y efectiva que el sistema de arte contemporáneo que aunque no se proclamen como artísticas se proponen como experiencia estética y ejercen una función simbólica importante en la sociedad, como lo fue antes el arte.[5]
De modo, que el cartel, en estos términos sigue demostrando su eficacia como emisor de mensajes. Es más, también entre otros fenómenos mediáticos más jóvenes, se comporta como un soporte publicitario inmediato, asequible, accesible y directo. El cartel llega donde otros medios como el cine, la TV y otros recursos masivos no lo hacen. Está siempre ahí, invadiendo terreno sin ninguna necesaria acción previa del espectador, irrumpiendo en el paisaje urbano. Actualmente, como se planteó más arriba, se produce una multiplicación de géneros y criterios técnicos y artísticos implicados en su elaboración, promoviendo cierta tergiversación posmoderna de situaciones y clichés extrapolados de otras experiencias. En definitiva, el formato cartel ya desde sus orígenes ha prestado a discusiones. Debates sobre las fronteras entre lo artístico y lo político, entre el arte y el mercado, sobre técnicas artesanales e industriales; enfrentamientos y confluencias. Las críticas sobre quién está al servicio de qué otro abundan y quizá sería prioritario saber si ésto es relevante. Desde mi punto de vista, en cuanto a mi área de estudio, me interesa saber si nos encontramos ante una experiencia estética, cualidad que encuentro en una obra que logra condensar ciertos elementos significativos de la experiencia humana. Partiendo de esta premisa es determinante que el objeto del arte (su material físico, emocional, sus formas, su sentido, su expresión) es social. El arte sintetiza y de esta manera modifica aspectos de lo cotidiano, del devenir del hombre. De modo, que en el arte confluyen infinidad de experiencias posibles, todas las que un ser humano pueda concebir y materializar o expresar. Con esto quiero decir que, aunque en este caso existan explícitas connotaciones sobre cuestiones sociales, políticas, económicas, forman parte y son documento, tanto el fenómeno del cartel como sus variados géneros y expresiones, de los procesos históricos por los que transcurre la existencia de quienes los crearon. Son expresión, prueba e identidad de las culturas y sociedades que los han desarrollado. Hay que destacar también que algunas posturas devienen en pronósticos casi apocalípticos y deterministas generalizando sobre ciertas manifestaciones aparentemente más evidentes. Cabe señalar que la desaparición del arte es algo absurdo en cuanto el ser humano permanezca con vida, como también hay que tener en cuenta que habitualmente se generan una cantidad de fenómenos alternativos dentro del sistema cultural como reacción de resistencia ante posturas hegemónicas o posturas dominantes; más allá, no olvidemos, de cuestiones locales y coyunturas particulares donde se desarrollan casos donde sería un acto deshonesto intentar adaptar a características foráneas. Asimismo, y teniendo en cuenta lo anterior, creo que existen otros casos relacionados con el cartelismo aún no estudiados. El caso de Latinoamérica durante los períodos de dictadura es uno, o mejor, varios, aunque con ciertas similitudes entre ellos y diferencias en relación al caso europeo y los trabajos ya realizados sobre cartelismo. Por lo cual también su historia y desarrollo se a dado en un sentido distinto. Conocer sus orígenes y evolución, las imágenes que se reivindicaban y sus mutaciones prestaría oídos a todos aquellos que respiraron y habitaron la atmósfera de esos períodos sintetizando de algún modo el espíritu de una época. Igualmente, el percatarnos de su funcionamiento nos acercaría de una manera más apropiada a sus particularidades de hoy día. En esta labor sigue siendo una herramienta fundamental la iconología, no sólo para distinguir sus significados distintivos en tiempo y espacio sino además para adentrarnos en sus variaciones dentro de la cultura visual de un sociedad. ¿Quiénes los realizaban?¿A quiénes estaba dirigido?¿Dónde?¿Cómo?¿Qué repercusiones existen en la actualidad?¿Qué nos puede aportar su estudio para conocernos un poco más? Porque, en definitiva, de eso se trata, de continuar indagando y asombrándonos de nuestra propia naturaleza.
[1] Como introducción al análisis de estas teorías consultar: Calabrese, Omar. “El lenguaje del arte”. Buenos Aires: Ed. Piados, 1997.
[2] Para mayor comprensión del campo de estudio: Panofsky, Erwin. “Estudios sobre iconología”. Madrid: Alianza, 2008.
[3] Véase: Barnicoat, John. “Los carteles, su historia y su lenguaje”. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 2003. Grimau, Carmen. “El cartel republicano en la Guerra Civil”. Madrid: Cuadernos Arte Cátedra, 1979. Bozal, Valeriano. “La Guerra Civil”, en: “Pintura y Escultura española del siglo XX (1900-1939)” (Summa Artis, vol. XXXVI). Madrid: Espasa –Calpe, 1993. Clark, Toby. “Arte y propaganda en el siglo XX. La imagen política en la era de la cultura de masas”. Madrid: Akal, 2000. Enel, Francoise. “El cartel. Lenguaje. Funciones . Retórica”. Valencia: Fernando Torres, 1979. Julián Gonzales, Inmaculada. “El cartel republicano en la Guerra Civil española”. Madrid: Ministerio de Cultura, 1993. Miravitlles, Jaume; Termes, Joseph; Fontseré, Carles. “Carteles de la república y de la guerra civil”. Barcelona: Centre d’Estudis d’Historia Contemporánea. La Goya Ciencia, 1978. Renau, José. “Función social del cartel”. Valencia: Fernando Torres, 1976. Tomás, Facundo. “Los carteles valencianos en la Guerra Civil española”. Valencia: Ayuntamiento de Valencia, 1986.
[4] Algunas publicaciones sobre debates actuales en relación al cartel y a lo iconológico: Sánchez López, Juan Antonio. “De cateles, falshes, impactos y fijaciones”: http://www.isel.org/cuadernos_S/Varios/ja_sanchez.htm Almeda, Ramón. “La imagen actual en la intersección del arte y la publicidad” para el III Simposium de Comunicación: Arte y publicidad en comunicación, Puebla, 2004. en: http://www.criticarte.com/Page/file/art2004/ArteyPublicidadPrint.html
Gonzales Requena, Jesús; Ortiz de Zárate, Amaya. “El spot publicitario: Las metamorfosis del deseo”. Madrid:Cátedra, 2007.
[5] Almeda, Ramón. “La imagen actual en la intersección del arte y la publicidad” para el III Simposium de Comunicación: Arte y publicidad en comunicación, Puebla, 2004. en: http://www.criticarte.com/Page/file/art2004/ArteyPublicidadPrint.html

arte-experiencia J.Dewey

2009-04-17T10:54:00.000-07:00

LLR

La nueva edición de “El arte como experiencia”, publicada por primera vez en 1934 y traducida con ciertas imperfecciones al castellano en 1941, es el resultado de la labor de revisión y corrección de Jordi Claramonte para su mayor fidelidad con el texto original. La versión mejorada y algunas ideas introductorias realizadas también por el teórico en artes, nos introducen en el pensamiento y la sensibilidad estética de un autor que supera la visión de las tradiciones hegemónicas de la estética y la teoría de las artes en el contexto norteamericano para adentrarse en un modo alternativo que conecta el estudio del arte con la vida cotidiana.
El aporte realizado por Dewey facilita la investigación y comprensión de una historia de la cultura al indagar sobre las implicaciones antropológicas, sociales y políticas de las prácticas artísticas. No realiza una interpretación desde categorías y cánones externos a la obra sino que la abarca desde su esencialidad estética, desde su génesis y finalidad a partir de las fuerzas que se disputan en su construcción. Alejado de categorías rígidas y/o clasistas de la sociología, de las distinciones entre baja y alta cultura, o del arte como reflejo, se aventura en una concepción orgánica del arte, en cuanto a que la obra y su producción se desarrollan a partir de vínculos profundos con el entorno. Para Dewey todo arte surge por la interacción entre el organismo vivo y su medio, entre la obra y su contexto, en forma de una constante reorganización de energías, acciones y materiales.[1] De este modo, recobra la idea de una privilegiada continuidad de la experiencia estética con los procesos normales de la vida. La obra de arte ni es el producto directo de las condiciones económicas, materiales, políticas, ni es un ámbito sagrado, totalmente autónomo, desligado del acontecer histórico, social, terrenal.
En el texto nos encontramos con conceptos y categorías humanísticas del filósofo, psicólogo y pedagogo estadounidense que sistematizan y estructuran su teoría y metodología de investigación sobre el fenómeno artístico. Los “modos de relación” se presentan como los agentes principales del arte, los cuales promueven la organización de la “experiencia”, desde lo más extraordinario a lo más cotidiano, desde la experiencia artística a la experiencia corriente. Intenta demostrar que lo estético no es una intrusión ajena sino el desarrollo intenso y clarificado de los rasgos pertenecientes a toda experiencia completa y normal.[2] La pregunta es cómo la forma cotidiana de las cosas se transforma en genuinamente artística, o cómo es que nuestro goce cotidiano de escenas y situaciones se transforma en la satisfacción peculiar de la experiencia estética. Su pensamiento afirma que en la medida en la que el desarrollo de una experiencia se controla por medio de referencias a relaciones de orden y satisfacción, inmediatamente sentidas, adquiriere una naturaleza predominantemente estética.[3] Tanto en el productor como en el contemplador ha de tener lugar un acto de abstracción de la experiencia, el ejercicio de una extracción de lo significativo. De este modo, la actividad se convierte en acto de expresión de la experiencia, en expresión artística. Cuando prácticas que quedarían obsoleta por la rutina o la inercia se tornan coeficientes revistiéndose de un nuevo significado, potenciando sus cualidades sensibles y simbólicas, estamos en presencia de la conversión de una experiencia vulgar en una experiencia de valor estético. El arte posee la capacidad de convertir materiales mudos de lo ordinario, en medios elocuentes. [4]
En conclusión, para Dewey, el material de la experiencia estética es social, porque es una manifestación y un registro de la vida, del contexto de la que es parte. Es un medio para promover su desarrollo y también el juicio último sobre la cualidad de una sociedad. Porque mientras los individuos la producen y la gozan, esos individuos son lo que son en el contenido de su experiencia, a causa de las culturas en las que participan. Su teoría nos aleja del uso de un determinismo económico y social para la comprensión de las actividades artísticas, de métodos que promueven tendencias generales olvidando el sentido de la variedad o la especificidad de los fenómenos culturales. Apoya un estudio en profundidad de casos concretos y experiencias locales, no extendiendo interpretaciones o metodologías de disciplinas foráneas sino construyendo y utilizando herramientas que el propio hecho y la coyuntura demandan.

[1] Introducción de Claramonte, Jordi, en: Dewey, John. El arte como experiencia. Barcelona: Ed. Paidos, 2008. pág: XIV
[2] Dewey, John. El arte como experiencia. Barcelona: Ed. Paidos, 2008. pág: 53
[3] Op. Cit. pág: 58
[4] Op. Cit. pág: 258

iconología

2009-04-12T17:59:00.000-07:00

LLR

Considerado un clásico, “Estudios sobre iconología” de Panofsky (1892-1968) fue publicado por primera vez en 1939 y es una obra indispensable para comprender el desarrollo acelerado que han tenido los estudios culturales hasta nuestros tiempos. Podemos decir, que los nuevos aportes metodológicos e investigaciones realizadas sobre el campo de las humanidades mucho le deben a estas primeras indagaciones que cuestionaban los procedimientos para vislumbrar el fenómeno artístico y cultural. Releerlo, no sólo clarifica el proceso histórico devenido de sus inaugurales premisas sino que también nos alienta y continúa legando conductos por los cuales avanzar en la exploración del ámbito de las humanidades.
Recordando su pensamiento, Panofsky sostiene una concepción de la historia del arte en estrecha relación con la historia íntegra. Esto es, con la teoría de las artes, con la estética, con la filosofía y la cultura toda. Supuesto que se basa en la noción de obra de arte como núcleo del cual parten conexiones vitales con las creencias, ideas y la situación histórica de los hombres que la crean. El autor lo precisa en la elaboración de una estructura de diversos planos o grados de interpretación para el proceso de observación y exploración de la obra de arte. Distingue un “Contenido temático natural o primario”, subdividido en “Fáctico” y “Expresivo”; un “Contenido Secundario o Convencional” y un “Significado Intrínseco o Contenido”.[1] El primero abarca la identificación de formas puras, líneas, luz, masas, notificando objetos naturales donde sus relaciones mutuas presentan hechos con ciertas cualidades expresivas. Es el mundo de los “motivos artísticos”, portadores de un significado primario o natural por demandar una interpretación elemental, descriptiva, fáctica pero además empática, cualidad sensible que se le requiere al sujeto observador para la obtención de información sobre el carácter o atmósfera de la pieza. Estas interpretaciones son inmediatas y simultaneas, la sensibilidad que se necesita forma parte de la familiaridad cotidiana con objetos y acciones. Se trata todavía de una descripción iconográfica. Las combinaciones de los motivos artísticos (composiciones) forman “temas” o “conceptos”, siendo reconocidos como portadores de un significado “Secundario o Convencional”, nuestro segundo horizonte interpretativo. Son imágenes que se combinan constituyendo “historias” y “alegorías” y aquí sí, el significado trasciende lo práctico y se diferencia del primero por ser inteligible y que ha sido aplicado concientemente a la acción que lo transmite. Esta etapa requiere ciertas observaciones similares que nos ofrezcan información sobre la época de realización, tradiciones intelectuales del momento histórico, procedimientos técnicos del país de origen, etc. Como último factor, Panofsky avanza sobre el intento de comprender la obra como documento de la personalidad del autor o de la civilización a la que pertenece, ocupándonos de la misma como un síntoma de algo más y definiendo, de este modo, la tarea de la “iconología”,[2] método de investigación que aparece más como síntesis que como análisis. El descubrimiento y la interpretación de los valores simbólicos es parte del “Significado Intrínseco o Contenido”. Pero siempre hay que tener presente que aunque estas aclaraciones y estados interpretativos estén enumerados para su mayor comprensión, Panofsky los entiende como interrelacionados en la totalidad de la obra. Esto es, que unos influyen sobre los otros; las formas o técnicas empleadas modifican la presentación de las alegorías, las convenciones alteran las formas, y las particularidades individuales del artista trabajan sobre aquellas otras dos, etc.
De modo que esta nueva modalidad de análisis le dará a Panofsky los argumentos para diferenciar el estudio iconográfico del iconológico, y la metodología para construir series donde a diferentes condiciones históricas objetos y acciones son expresados en diversas formas (historia de estilo), o temas y conceptos específicos, confrontados con fuentes literarias, varían según su contexto histórico (historia de los tipos). En definitiva, nos conduce por diversos medios de corroboración y estudios correctivos, como la búsqueda de antecedentes de imágenes, cánones de la época y rastreo de influencias, para una ajustada apreciación del fenómeno. La última aproximación, la lectura sobre los valores simbólicos, requiere algo más que el conocimiento de temas o conceptos, tal como lo trasmiten las fuentes literarias. Para comprender estos principios necesitamos, dice el autor, cierta “intuición sintética”. Y aquí, del mismo modo que nuestra apreciación de las dos categorías anteriores debe ser controlada por el discernimiento de la coyuntura, las “tendencias generales y esenciales de la mente humana” también generan una “historia de los síntomas culturales”.[3] El historiador del arte tendrá que comprobar lo que él cree que es el significado intrínseco de la obra de arte con grupos de obra, con documentos de civilización relacionados históricamente: documentos que testifiquen sobre las tendencias políticas, poéticas, religiosas, filosóficas y sociales de la personalidad, período o país que se estén investigando.
Para finalizar, y a modo de conclusión, lo que propone Panofsky a través de este sistema interpretativo es el encuentro de las diferentes disciplinas humanísticas en un plano, en vez de servir las unas a las otras. Plantea un proceso que apela a nuestro bagaje subjetivo en donde las tres formas independientes de investigación se mezclan entre sí en un proceso orgánico e indivisible, y debiendo ser siempre controladas por una percatación de los procesos históricos cuya suma total llama “tradición”. “Estudios sobre iconología” nos lleva por diversos fenómenos presentes durante el Clasicismo, la Edad Media y el Renacimiento. Hechos que establecen conexiones entre los movimientos y la negación de la ruptura completa de las tradiciones, sino sus interrelaciones e influencias configurando un nuevo acercamiento a la historia del arte y la cultura.

[1] Panofsky, Erwin. “Estudios sobre iconología”. Madrid: Alianza, 2008. Capítulo 1.
[2] Op.Cit. Pág: 18
[3] Op. Cit. Pág: 24

síntesis de lo incomunicable e indemostrable

2009-04-12T12:11:00.000-07:00

eliminar distancias entre naturaleza y espíritu

2009-04-03T11:41:00.000-07:00

materializar lo innombrable

2009-04-02T05:24:00.000-07:00

recrear el accidente

2009-04-01T05:34:00.000-07:00

Concurso Sanvisens i el Pere Jou - Sitges -

2009-03-31T06:40:00.000-07:00

Les obres guanyadores i les finalistes es poden visitar a l'Edifici Miramar fins al 26 d'abril.

3er Premio de Pintura Torres García - Ciutat de Mataró - notificación preseleccionados

2009-03-27T05:24:00.000-07:00

Un cop finalitzada la primera reunió del Jurat del Premi Biennal de Pintura Torres García-Ciutat de Mataró 2009, i vistes les fotografies de les obres presentades pels concursants i els dossiers que les acompanyen, ha quedat establerta la relació de les obres que els seus autors hauran d’enviar físicament per prendre part a la selecció final.

Ens plau comunicar-te que la teva obra està entre les 57 preseleccionades. La participació ha tornat a ser afortunadament molt elevada (239 obres presentades), i aquest fet , ben positiu per una banda, obliga també a una selecció més estricta d’admissió. És per això que té més valor encara haver passat aquesta fase prèvia.

Amb la nostra més sincera felicitació.
Associació Sant Lluc per l’Art

mañana sábado expongo en el XXIII Concurs de pintura Sanvisens i XIII Concurs d'Escultura Pere Jou

2009-03-27T05:16:00.000-07:00

Més de 100 obres pictòriques i escultòriques participants en el XXIII Concurs de pintura Sanvisens i XIII Concurs d'Escultura Pere Jou s'exposaran a partir de dissabte 28 de març al primer pis del Miramar i que es podrà visitar fins al 26 d'abril.Els dos concursos estan organitzats per la Regidoria de Cultura i la família d'en Ramon Sanvisens i la galeria d'art Àgora 3, en el cas del Sanvisens, i la família d'en Pere Jou, en el cas del Pere Jou.El jurat del Sanvisens i Pere Jou està composat per Teresa Llàcer, Àngel González, Josep Mª Cadena, Mª Dolores Rubió, mª Dolores Sanvisens, Jaime de Cordoba, Lluís Jou i Mirabent, Isabel Coll Mirabent i Àngels Pi.

Carnestoltes 2009 El Pinar (en el centro, nosotros!)

2009-02-27T13:16:00.000-08:00

anuncio ARTIXOC

2009-02-25T14:08:00.000-08:00

(23/02/2009)

1r Premi al Carnaval de Rubí!!!

Dissabte 20 de febrer la comparsa "El Pinar Safari Reciclat" formada pels veïns i veïnes del barri i conduït per les talleristes d'Artixoc, Vera, Lucrecia i Kelly, ha guanyat el Primer Premi al Carnaval de Rubí 2009. El treball en equip, la il.lusió, la creativitat, l'entusiasme i la generositat mostrats pel grup del Pinar van ser valorats pel jurat i pel públic assistent.
El taller que, amb molt poc temps (començava tot just a mitjans de gener), va reunir uns 20 veïns del barri, reproduïa, amb materials de reciclatge, música i coreografia, l'escenificació d'un Safari, amb estruços, ocells, bèsties i 4x4...La recompensa a tant d'esforç, significa per tots, tant pels veïns com per a la nostra Associació, una reafirmació que la implicació, la constància i l'empenta són les claus de l'èxit en els projectes!
Una gran abraçada a totes les persones que ajuden que el barri d'El Pinar tiri endavant i sigui cada dia més animat!
De part d'Artixoc, un gràcies molt especial a les artistes involucrades en el projecte!

Equip d'Artixoc
http://www.artixoc.org/

olivia

2009-02-03T14:12:00.000-08:00

fotos invisibles fiesta

2009-02-03T14:04:00.000-08:00

festa per a amics en diputació i napols

2009-01-27T04:52:00.001-08:00

viernes 12hs.
consultas y confirmación a:
mi e-mail

recomendación con unos tamalitos de verde

2009-01-26T06:26:00.000-08:00

jajajajajajajajajjaja 2

2009-01-09T14:23:00.001-08:00

jajajajajajajajajjajaajajajajajaajajajajaajjaj

2009-01-09T14:09:00.001-08:00

pasto

2009-01-07T09:20:00.000-08:00

aryentain pipol

2009-01-07T09:15:00.001-08:00

copas de despedida Barcelona

2008-12-19T06:41:00.000-08:00

That's Life - a los amigos que me esperan, a los amigos que me sostienen, a los amigos que me animan a volar -

2008-12-15T13:55:00.001-08:00

sino lo pueden ver acá, véanlo acá:

http://www.youtube.com/watch?v=KIiUqfxFttM

concert Manel

2008-12-14T17:56:00.001-08:00

http://www.youtube.com/watch?v=BkiexxdEqMU&eurl=http%3A%2F%2Fwww%2Efacebook%2Ecom%2Fhome%2Ephp&feature=player_embedded

copas

2008-12-14T12:41:00.000-08:00

- miscelanea cultural - de Lucho al Manel -

2008-12-11T10:10:00.000-08:00

el arte como experiencia - john dewey

2008-12-10T06:16:00.000-08:00

Esta nueva edición de “El arte como experiencia” de John Dewey ha sido publicada con correcciones de su primera traducción, como también, con algunas ideas introductorias para comprender su pensamiento y sensibilidad estética.
La obra del filósofo, psicólogo y pedagogo estadounidense indaga sobre las implicaciones antropológicas, sociales y políticas de las prácticas artísticas en tanto tales, aún de las más "autónomas". No realiza una interpretación de la obra desde categorías y cánones externos a ella sino que la comprende desde su esencialidad estética, desde su origen y finalidad a partir de las fuerzas mismas que se disputan en su construcción .
Para adentrarnos en sus reflexiones tenemos que recordar que para Dewey los agentes principales del arte son los "modos de relación”. Modos de relación que desde su específica codificación estética promueven la organización de la “experiencia”, desde lo más extraordinario a lo más cotidiano, transformando el mundo.
Esto es, que todo arte surge como producto de la interacción entre el organismo vivo y su medio, entre la obra y su contexto, en forma de una constante reorganización de energías, acciones y materiales, que aseguran desde el inicio una potente base sobre la que asentar los postulados de universalidad de la experiencia estética.
De modo, que su teoría asegura la rentabilidad antropológica y social del arte, y por el otro, define y constituye la especificidad de la experiencia estética.
Los modos de relación son los que establecen la expresión de la experiencia humana en el arte, y viceversa, el arte aporta la sensibilidad de las relaciones, de los modos de relación que aún no han sido momificados por ninguna institución.
Dewey dice, que allí donde el hombre está más implicado en intensificar la vida en vez de meramente vivirla es donde podemos hablar de un comportamiento estético, ya sea en el productor, el espectador, y en la concepción misma de la obra artística.
La centralidad de la noción de los modos de relación supone replantear la consistencia y la productividad de los principios de recepción estética que, lejos de ser mera constatación sociológica o formal, devienen en elementos de articulación de la experiencia y la identidad.
A partir de esta concepción “orgánica” del arte, en cuanto a que se desarrolla a partir de vínculos profundos con su entorno, se abre una vía para superar la distinción entre alta y baja cultura ya que lo que Dewey plantea no es un análisis sociológico, sin una constatación estética y antropológica.
La experiencia estética es de este modo la aprehensión, la vivencia, de los modos de relación y la "incorporación" que de los mismos hacemos en nuestra vida cotidiana.
El arte no es concebido como un reino separado como generalmente ocurre, que aparece por completo desvinculado de los materiales y aspiraciones de toda las otras formas del esfuerzo humano, de sus padecimientos y logros. Las condiciones que crean el abismo entre el productor y el consumidor en la modernidad son las que operan también para crear una separación entre la experiencia ordinaria y la experiencia estética, enfatizando el carácter meramente contemplativa de lo estético. Esta separación se acentúa en la confusión de valores, como el placer de colectar, exponer, poseer y exhibir, que simulan valores estéticos. Pero tampoco es el propósito de Dewey emprender una interpretación económica de la historia de las artes.
El problema que se plantea es recobrar la continuidad de la experiencia estética con los procesos normales de la vida. La obra de arte ni es el producto directo de las condiciones económicas, materiales, políticas, ni es un ámbito “sagrado”, totalmente autónomo, desligado del acontecer histórico, social, terrenal.

"Si las obras de arte se colocarán directamente en un contexto humano de estimación popular, tendrían una atracción mucho más amplia de las que obtienen bajo el dominio de las teorías que ponen al arte en las alturas" [1]

Este concepto de las bellas artes se conecta con las cualidades descubiertas en la experiencia ordinaria, pudiendo indicar los factores y las fuerzas que favorecen la transformación de las actividades humanas comunes en asuntos de valor artístico.
Las obras no pueden ser entendidas sin tener en cuenta estas interacciones. ¿Cómo es que la forma cotidiana de las cosas se transforma en una forma genuinamente artística?, o ¿cómo es que nuestro goce cotidiano de escenas y situaciones se transforma en la satisfacción peculiar de la experiencia estética?.
Dewey lo explica desde las necesidades y satisfacciones más primarias del ser humano. Cada necesidad, dice, hambre de aire fresco, de alimento, es una carencia que denota al menos una ausencia temporal del ajuste adecuado con su entorno. No obstante, también una demanda, una salida del ambiente para suplir la carencia y restaurar el ajuste en la construcción de un equilibrio al menos temporal.
La experiencia en vez de significar encierro dentro de los propios sentimientos y sensaciones privados, significa un intercambio activo y atento frente al mundo, significa una completa interpenetración del yo y el mundo de los objetos y acontecimientos. La experiencia, y esta es otra de las categorías utilizadas por nuestro autor, es el logro de un organismo en sus luchas y realizaciones dentro de un mundo de cosas. Este es el germen del arte, la necesidad, el impulso hacia el exterior, la búsqueda del equilibrio de un organismo vivo y su contexto. Es el origen de la expresión artística, es la experiencia.
Refutando las teorías divisionistas del arte, Dewey sostiene, que toda las oposiciones entre mente y cuerpo, de materia y alma, de espíritu y carne, tienen su origen fundamentalmente en el temor de lo que la vida nos puede deparar. Son signos de contracción y escape. La característica contribución del hombre al mundo es la conciencia de las relaciones descubiertas en la naturaleza, y la conciencia misma es un principio de transformación.
La existencia del arte es la prueba de que el hombre usa los materiales y las energías de la naturaleza con la intención de ensanchar su propia vida, y que lo hace de acuerdo con la estructura de su organismo, cerebro, órgano de los sentimientos y sistema muscular. El arte es la prueba viviente concreta de que el hombre es capaz de restaurar conscientemente, en el plano de la significación, en la unión de los sentidos, necesidades, impulsos y acciones características de la criatura viviente.
La intervención de la conciencia añade regulación, poder de selección y redisposición en la experiencia del ser humano. También conduce a la idea del arte como una idea consciente, la más grande conquista intelectual en la historia de la humanidad.
Las bellas artes son lo que son únicamente porque lo que el artista vivió y experimentó plenamente durante el proceso de producción. Este grado de vivir la experiencia, de hacer y de percibir, es lo que constituye la diferencia entre lo que es bello o estético en el arte y lo que no lo es.

"Del mismo modo que el crecimiento de un individuo desde el estado embrionario hasta la madurez es el resultado de interacción del organismo con su entorno, la cultura es el producto, no de los esfuerzos del hombre colocado en el vacío o sobre él mismo, sino una interacción prolongada y acumulativa con el ambiente." [2]

Pero a qué se denomina experiencia. La experiencia se realiza, según Dewey, cuando el material experimentado sigue su curso hasta su cumplimiento, logrando distinguirse de otras experiencias. Es cuando la experiencia conforma un todo y lleva con ella su propia cualidad individualizadora y de autosuficiencia.
Intenta demostrar que lo estético no es una intrusión ajena a la experiencia, sino que es el desarrollo intenso y clarificado de los rasgos que pertenecen a toda experiencia completa y normal. Pero para ser verdaderamente artística una obra debe ser estética.
El acto de producir dirigido por el intento de producir algo que se goza en la experiencia inmediata de la percepción, posee cualidades que no tiene la entidad espontánea y sin control. El artista, mientras trabaja, encarna en sí, mismo la actitud del que percibe. La elaboración llega a su fin cuando su resultado se experimenta como bueno, y esa experiencia no proviene de un simple juez intelectual y externo, sino de la percepción directa.
En una efectiva experiencia artístico-estética, la relación es tan próxima que controla simultáneamente el acto y la percepción. Tal intimidad y tal de conexión no puede tenerse, si tan sólo están comprometidos la mano y el ojo. Cuando ambos no actúan como órganos de todo el ser, no hay sino una secuencia mecánica del sentido y del movimiento. Son instrumentos a través de los cuales opera toda la criatura viviente. En consecuencia la expresión es emocional y estaría dada por un propósito. La materia de las bellas artes consiste en cualidades, las emociones son cualidades sólo cuando son significativas. La emoción seleccionan lo congruente y tiñe con su color lo seleccionado. Proporciona unidad a las partes variadas de una experiencia. En la media en la que el desarrollo de la experiencia se controla por medio de las referencias a estas relaciones de orden y satisfacción, inmediatamente sentidas, esta experiencia adquiere una naturaleza predominantemente estética.
Si el artista no perfecciona una nueva visión en el proceso de elaboración, actúa mecánicamente, repite un viejo modelo impreso en su mente. La obra creadora de arte se caracteriza por un grado increíble de observación e inteligencia que se ejercen en la percepción de relaciones cualitativas.
El trabajo real de un artista consiste en construir una experiencia coherente en la percepción. Para percibir el proceso es similar, un contemplador debe crear su propia experiencia. En esta percepción debe incluir relaciones comparables a las que sintió el creador. En el contemplador, como en el artista, debe producirse un ordenamiento de los elementos del todo que es, sin un acto de recreación, el objeto no es percibido como obra de arte.
El artista selecciona, simplifica, aclara, abrevia y condensa de acuerdo con su interés; y el contemplador debe pasar por estas operaciones, de acuerdo con su punto de vista y su interés. En ambos tiene lugar un acto de abstracción que es la extracción de lo significativo. Lo revelador en el acto de abstracción es la unión de lo nuevo y lo viejo en la experiencia, y especialmente en la experiencia artística, no es una simple composición de fuerzas, sino una recreación en la que la impulsión presente toma forma y solidez; mientras que lo viejo, lo "almacenado", es literalmente revivido, se le da nueva vida y alma al encontrarse con una nueva situación.
De modo que la actividad se convierte en acto de expresión cuando las cosas conservadas en la experiencia pasada, que se volverían obsoletas por la rutina o la inercia, se tornan coeficientes en más aventuras y se revisten de un nuevo significado.
Si el acto es puramente impulsivo, sólo es una descarga. Si el material se acumula, se clarifica y ordena incorporando los valores de anteriores experiencias, se encuentra en proceso de ser un acto expresivo.
La escala emocional es una condición necesaria para la expresión pero no suficiente. Donde no hay administración de las condiciones objetivas, ni un modelado de los materiales, con la intención de dar cuerpo la excitación, no hay expresión.
El acto de expresión existe cuando es una construcción en el tiempo, no una emisión instantánea. Es una interacción entre el yo con las condiciones objetivas, un proceso en que ambos adquieren una forma y orden que no poseían antes.
La selección y organización del material son una función y una prueba de la calidad de la emoción experimentada. El exceso de "naturaleza", dice Dewey, no permite el desarrollo del arte. La materia prima de la experiencia necesita ser reelaborada a fin de obtener la expresión artística.
Y en este proceso, la emoción provocada por la materia original, se modifica mientras que se adhiere el material nuevo. Los materiales físicos deben sufrir un cambio y deben también ser administrados en la construcción de un verdadero acto expresivo. Pero no hay operaciones distintas, una ejecutada sobre material externo y la otra sobre el material interno y mental. La obra es artística en la medida en que las dos funciones de transformación se efectúan en una sola operación. La materia interna de la emoción y de la idea se transforma tanto por la acción y reacción con la materia objetiva, como por la modificación que esta última sufre cuando llega a ser un medio expresión.

"Es precisamente esa transformación la que cambia el carácter de la emoción original, alternando su cualidad, hasta el punto de hacerla particularmente estética"[3]

La emoción es estética cuando se adhiere a un objeto formado por un acto expresivo. Entonces, la emoción estética es algo distintivo y, sin embargo, no está separado de otras experiencias emocionales naturales, como algunos teóricos sostienen. Claro que el arte no es naturaleza tal cual, sino que es naturaleza transformada al entrar en nuevas relaciones que provocan una nueva respuesta emocional.
Implicará además a la totalidad de la criatura viviente. Las obras de arte que no están alejada de la vida común, que son ampliamente disfrutadas por la comunidad, son signos de una vida colectiva unificada, y son también una maravillosa ayuda para la creación de esta vida y no un escape o decoración.
En relación al objeto expresivo, un poema como una pintura ofrecen una materia que ha pasado por la experiencia personal, pero no tiene precedentes en la experiencia o en el ser universal. Sin embargo, su materia provino del mundo público y tiene así cualidades en común con la materia de otras experiencias, de modo que el producto despierta en otras personas nuevas percepciones de los significados del mundo común.
Las oposiciones de lo individual y universal, de lo subjetivo y objetivo, de libertad y orden, no tiene sitio en la obra de arte para Dewey. La expresión como acto personal y como un resultado objetivo, están orgánicamente conectados entre sí.
La obra de arte tiene una cualidad única que consiste en la clarificación y concentración de significados contenidos en forma dispersa y débil en la materia de otras experiencias.

"El arte rompe el caparazón que oculta la expresividad de las cosas experimentadas; nos sacude la pereza de la rutina y nos permite olvidarnos, de nosotros mismo para reencontramos en el deleite del mundo experimentado en sus variadas cualidades y formas" [4]

Para Dewey, de algún modo, todo puede llegar a ser arte en cuanto sea producto de un proceso intenso de experiencia.
También, cada arte tiene su propio medio adecuado para una clase de comunicación, un lenguaje. Cada medio dice algo que no puede ser dicho completamente en otra lengua. Todo lenguaje, cualquiera que sea su medio, implica lo que se dice y cómo se dice, o sea, la sustancia y la forma.
El material del que se compone una obra de arte pertenece al mundo común más que al yo, sin embargo, hay autoexpresión en el arte porque el yo asimila ese material, de un modo característico, para devolverlo al mundo público en una forma que constituye un objeto nuevo.
En los que perciben existen recreaciones del material antiguo y común, pero la manera de decirlo es individual, y si el producto es una obra de arte, irrepetible.
La forma, es una manera de considerar, de sentir y de presentar una materia experimentada. El arte conserva vivo el poder de experimentar el mundo común en su plenitud y lo hace reduciendo la materia prima de la experiencia a una materia ordenada por medio de la forma.
Lo artístico opera para ahondar y elevar a una gran claridad el sentido de un todo envolvente e indefinido que acompaña a toda experiencia normal. Cuando un material encuentra un medio que exprese su valor de la experiencia, es decir, su valor imaginativo emocional, se hace sustancia de la obra de arte. La lucha permanente del arte consiste en convertir materiales mudos de la experiencia ordinaria, en medios elocuentes.
La expresión artística nos permite participar vívida y hondamente de significados a los que éramos sordos, porque la comunicación no consiste en anunciar cosas sino que es un proceso creador de participación que hace común lo que era aislado y singular. Rompe las barreras que dividen a los seres humanos, porque, como hemos visto, cuanto más incorpora una obra de arte de lo que pertenece a las experiencia comunes de muchos individuos, más expresiva es.
En definitiva, para Dewey, el material de la experiencia estética en el ser humano, el cual es comprendido en conexión con la naturaleza de la que es parte, es social. La experiencia estética es una manifestación, un registro y una celebración de la vida, del contexto social de la que éste es parte. Es un medio para promover su desarrollo y también el juicio último sobre la cualidad de una sociedad. Porque mientras los individuos la producen y la gozan, esos individuos son lo que son en el contenido de su experiencia, a causa de las culturas en que participan.
Como la individualidad de la persona, de la que proviene la obra de arte, toda cultura tiene su individualidad que deja su impresión indeleble en el arte que produce. Pero la experiencia estética es la interacción del producto artístico con el yo que se encuentra en ésta. Por consiguiente, no es dos veces igual para diferentes personas, aún hoy en día. Es más, cambia con la misma persona en diferentes tiempos cuando aporta algo diferente a una obra. No hay razón para que estas experiencias sean idénticas a fin de ser estéticas. En cada uno de los casos hay un movimiento de organización de la experiencia hacia una satisfacción, y es ahí donde hay una cualidad estética y dominante.
El arte es el modo más universal del lenguaje. Cada cultura con su modo específico de relación liga sus partes entre sí y el arte, distingue al finalizar Dewey, es una cuestión de comunicación y participación en los valores de la vida por medio de la imaginación. Las obras de arte son los medios más íntimos y enérgicos de ayudar a los individuos a participaron en las artes de vivir.

[1] Dewey, Jhon; “El arte como experiencia”; Ed. Paidós, 2008, Barcelona, pág.12

[2] op. cit., pág.32

[3] op. cit., pág.86

[4] op. cit., pág.118

una mensaje para Olivia, en la pancita de mi Natu!

2008-12-04T07:09:00.001-08:00

follow the day and reach for the sun!
de la titi

llibres d'artista

2008-11-25T07:22:00.000-08:00

Orgesticulanismus

2008-11-23T12:38:00.001-08:00

Uno de los videos de animación premiados en el 15è festival de cinema independet de barcelona.
Un homenaje de Mathieu Labaye (Bélgica) a su padre privado de movimiento desde los 40 años.

En la película se puede escuchar al padre diciendo:

"I think it's by the movement you appropriate your own life. By the freedom to come and go, to have gestures of love, tenderness, anger, whatever. When you are deprived of movements, as I am and as a lot of other people are, I think if you want to survive, you must reinvent the movement differently. And so what happens inside my head isn't purely brain, purely intellectual. It's a way of recreating an inner space which is also my freedom."

"When you live a severe handicap, when you live absolutely still, dependent, you live, in fact, something that can't be shared, that can't be easily expressed, which you can't easily talk about. Because when two people talk, to be able to understand each other, they need to have a minimum of common experience between them, to speak of something they both know from some form of experience."

"Sure, the stillness, the handicap, brings you to the conclusion and to the gradual acceptance that there's a certain number of things that you can't do. But conversely I think it opens a whole bunch of new possibilities, notably with inner freedom, inner space, but also with the way you can come in contact, in relation with others.
I think there is in the handicap, in the disease, a lot of potentiality. The human being is inexhaustible at the level of desire, of energy, of inner strength. Ans it's something you discover with maybe more urge, more intensity, when you're deprived of movement."

Sino pueden verlo aquí pueden verlo en esta dirección:
http://es.youtube.com/watch?v=iDHfx9nde14#

serrat 69

2008-11-18T11:47:00.000-08:00

2008-11-17T14:51:00.000-08:00

2008-11-10T10:12:00.000-08:00

2008-11-06T09:28:00.000-08:00

2008-11-04T09:57:00.000-08:00

what kind of magic spell to use? Dance Magic Dance

2008-10-26T11:08:00.001-07:00

nota expo Fort Pienc

2008-09-11T11:27:00.000-07:00

una noche de retrospección

2008-09-05T09:27:00.000-07:00

La próxima aviso con anticipación!
Lectura colectiva por un preciso y delicado escritor y narrador.
Maravilloso!

2008-08-24T10:47:00.000-07:00

mamá y yo en el Centre Civic Convent de Sant Agustí (expo 25 de julio)

El Témpano

2008-08-15T20:53:00.005-07:00

Tango La última curda por Roberto Goyeneche

2008-08-15T20:53:00.003-07:00

Polaco Goyeneche - Naranjo en Flor

2008-08-15T20:53:00.001-07:00

Centre Civic Convent de Sant Agustí (expo 25 de julio 08)

2008-08-12T04:50:00.001-07:00

10 de sept.

2008-08-11T10:55:00.000-07:00

Especialment en aquest any dedicat al diàleg intercultural, hem volgut fer, dins del programa “Circuit NomadArt”, un modest però especial homenatge a les dones.I punt. Senzillament això. Ni més ni menys.Per mitjà d’una exposició itinerant, volem mostrar la particular visió i expressió de 10 artistes europees i llatinoamericanes, que destaquen pel seu treball entorn les dones. Seran 50 peces artístiques de diverses disciplines, més un poema visual de la ideòloga i curadora del projecte: Queral Bardet.No és la nostra intenció entrar a debatre, ni filosofar sobre teories i pràctiques artístiques contemporànies en la societat postmoderna que “bla bla bla...”Tan sols volem que el públic vingui a gaudir d’una exposició, que apela als seus sentits. Sense pretensions. Simplement desitgem que es produeixi una aproximació sensible a una proposta feta des del cor. Des del cor de 10 dones de 10 ciutats diferents d’aquest planeta, que tenen molt per a dir-nos.Disposarem d’ obra, que ens donarà una aproximació a la sensibilitat de les artistes següents:
Lucrecia Literas (Argentina-Catalunya)
Adriana Ospina (Colombia)
Caterina Zacchetti (Italia)
Gloria Martha Mariño (Argentina)
Martha Zylbersztejn (Argentina)
Alicia Alba (Argentina)
Florencia Bosio (Argentina-Catalunya)
karin Barrera (Chile)
Mariana Buchin (Argentina)
Yasbel Perez (Cuba)
i la participació especial de Queral Bardet (Catalunya), idéologa i curadora del projecte.
Us esperem a la inauguració el dimecres 10 de setembre a les 19,30hs. al Centre Civic Fort Pienc de Barcelona. Podreu gaudir de l´exposició fins al dissabte 27 de setembre.
Com sempre ens ha passat a la nostra organizatió, els projectes més bonics i de més impacte humà, són els que menys suport institucional reben. No sabem quina és l´equació... però sempre acabem fent projects artístics aplaudits a tot nivell, duts a terme gràcies al fet que son tossudes, obstinades, i perquè veritablement creiem en allò que fem. Ho tenim més que comprovat: és més necessari l´entusiame que hi posem darrere els projectes... que no pas els diners per fer-los possibles (que tot sigui dit de pas, com en aquest cas, mai rebem). Aixi mateix, volem agraïr de manera molt especial la participació de les artistes, les veritables "mujheroes" d´aquest projecte. Us esperem el 10 de setembre!

viaje

2008-07-16T05:38:00.000-07:00

Teatro de Dionisos y callecita de Atenas

algunas percepciones sobre "La estatua de mármol"

2008-07-10T11:48:00.000-07:00

La lectura de La estatua de mármol nos retrotrae a las manifestaciones fundamentales del romanticismo. Páginas pobladas de misteriosas experiencias, la idea del destino, de existencias influidas por fuerzas ocultas que recargan de misticismo y, particularmente en Eichendorff, de un potente amor por la naturaleza la totalidad de la obra.
El romanticismo alemán será fiel al clasicismo, pero no al clasicismo de la norma, sino al de la humanidad. El romanticismo y el idealismo alemán llevan hasta sus últimas consecuencias este ideal de humanidad a través de la estética y de la práctica del arte. Por lo cual, la teoría estética de Schelling puede servirnos de soporte, como línea filosófica, para comprender la obra de Eichendorff y la particular relación que se establece entre la escultura y la literatura en el recorrido de su obra.
También Jean Starobinski, Pier Aldo Rovatti, Hans-Heino Ewers, desde el análisis de piezas literarias de la época como desde el campo de la filosofía, nos ayudarán a contextualizar y abordar La estatua de mármol. Esto es, en un primer momento, poder abarcarla como fenómeno propio de transición en los modos de comprensión del amor dentro del modelo moderno burgués, consecuentemente adentrarnos en el viaje iniciático experimentado por Florio, el personaje principal, y finalmente, a la luz de la filosofía, contrastar no sólo la experiencia estética vivenciada por nuestro personaje principal en la contemplación de la obra escultórica sino también introducir algunos conceptos en relación a la formación de la metáfora y la utilización de imágenes sensibles a través de las cuales se expresa la espiritualidad de los personajes.

La estatua de mármol relata el viaje de Florio, joven noble, que arriba a la ciudad de Lucca. Su primer encuentro es con Fortunato, conocido cantor al cual sin conocer todavía su identidad le confía la razón de su viaje:

“He decidido viajar (...) y ahora me encuentro liberado de una prisión; todos mis antiguos deseos y todas mis alegrías gozan ahora de libertad. He crecido en la tranquilidad de un lugar desde el cual contemplaba ardientemente las lejanas montañas azules, cuando la primavera, como un mágico juglar, cruzaba nuestro jardín y sus cánticos atraían hacia la maravillosa lejanía con sus infinitos y enormes placeres.”

Florio nos da a conocer sus juveniles deseos y la vitalidad que lo ha impulsado en su viaje, el cual se convierte en un canal de liberación de sus pensamientos y sensaciones más íntimas antes contenidas. De modo que nos introduce en lo que va a ser un viaje inciático que lo reconecte con aquellas imágenes construidas en su fantasía durante su adolescencia.
Al llegar a la plaza, entrado el atardecer, es cuando Florio percibe a la joven a la cual le dedica su canto y ella accede a besarle formando una pareja más del círculo de jóvenes que se habían reunido.
Como sostiene Ewers y como veremos más adelante, las historias de Eichendorff presentan la educación erótica propia del modelo burgués, por la cual la mujer se manifiesta en dos formas de amor moralmente antagónicas, representando dos modelos sociales diferentes. En las novelas del romanticismo este fenómeno se plantea, mas que en el ámbito social, desde la psique masculina. Un código sexual ambivalente entre la fantasía y la disciplina moral, dice Ewers, que produce la antinomia entre dos imágenes de mujer que se traducen en la dualidad del objeto del amor a los que se atribuye significados mitológicos, religiosos y psicológicos. La estatua de mármol representa estas características, características propias de las novelas llamadas de culto a Venus, donde los dos modelos femeninos construidos, en este caso en la imaginación de Florio, consisten una en la representación de la Venus pagana y otra en la imagen desexualizada de la Virgen, materializándose en la historia en diferentes seres con los que se relaciona. Podemos decir que hasta el momento nos hemos encontrado con la joven Bianca, con uno de los planos emocionales de Florio que se irá profundizando y tomando tridimensionalidad a medida que transcurra la historia.
Es Fortunato con su canto quien simbólicamente produce el quiebre del relato amoroso del atardecer entre Florio y la joven, y nos induce a recorrer una dimensión más profunda y oscura de las vivencias de nuestro personaje.

“¿Qué me alegra tanto/ todo el corazón?/ ¿Adónde me lleva la canción?/ Cómo en las montañas/ tan contento estoy/ y saludo al mundo/ con todo mi amor/ ¡Oh, Baco, ya veo,/ oh divino dios, / la brasa que enciendes/ en el corazón/ ¡Oh, qué bella joven,/ qué hermoso mirar!/ Tus llamas me inflaman/ sólo al contemplar./ ¿Es el dulce amor/ quien te hace feliz?/ Es la primavera/ de bello matiz./ Es la diosa Venus,/ dueña del poder,/ que se regocija/ al amanecer./Por los altos montes/ vuela el dios Amor/ y agita sus alas/ todo en derredor./De sueños dorados/ ella reina es,/ y el aura mece con sumo placer./Por el verde prado/ caballeros van,/con damas hermosas/ bailando al compás./ Y todos se alegran con su amor en paz./ Feliz y contentas/ las parejas van.
De pronto , la canción cambió su tonada y las palabras fueron diferentes:
La música cesa,/ el verde es mortal./ Las damas se callan,/mudo está el galán./ Todo queda quieto/ en el cielo azul./ Rocio de lágrimas/ cubre como un tul./ De en medio de la fiesta/ un huésped salió./ Está solitario,/ da a todos pavor./ Corona de lirios/ lleva sobre sí./ Flor de adormidera/ le cubre también./ Sus labios tan pálidos,/ tan blanca su sien,/ prodigan mil besos./ Y todos preguntan:/ ¿Quién es? ¿Quién?/ Una antorcha lleva,/ no se sabe qué,/ girando en sus manos./El mundo se ofusca./ No se puede ver./ Las flores se apagan./ De noche ya es./ ¡Oh, joven divino,/ oh, tu hermoso ser!/ Deja el torbellino./ ¡Oh, déjame ver!/Quisiera ir contigo./ Al cielo subir./ En tus brazos blancos/ a lo alto ascender.

Aquí también hace su aparición un caballero, “oscura figura” dice el texto, que le resulta familiar a Florio y que hasta le habla sobre sucesos de su infancia. Es Donati:

“La extraña iluminación hacía que Donati apareciese, más pálido y horrible”

Resalto estas líneas porque es el canto de Fortunato y la aparición de Donati los que marcan un giro en la historia de Florio. La joven desaparece y las alusiones a lo oscuro, confuso, de algún modo, como dice Starobinski, la sombra de la historia se hace presente. La subjetividad de Florio cobra volumen y se proyecta sobre la naturaleza con cierta lectura simbólica que a la escala del universo físico nos transmiten estados emocionales. La misteriosa aparición de Donati, conocedor de su pasado, también nos invita a ir hacia la interioridad de nuestro personaje principal y hacia la formación sentimental de sus tempranas etapas.
Florio sale a caminar cuando todos duermen y la imagen de la joven comienza a tornarse más hermosa, “como no se había visto nunca”. Y es en el estanque rodeado de altos árboles donde Florio experimenta sus deseos más profundos, se remueven sus imágenes de la infancia convirtiendo la contemplación de la Venus en un aprendizaje intelectual y estético único abriendo camino a una nueva sensibilidad y conocimiento de sí mismo:

“Florio se quedó mirándola como paralizado, pues de pronto aquella estatua le daba la sensación de ser una amada de antaño, como una flor maravillosa que brotaba en el atardecer primaveral y en la quietud soñadora de su juventud.
(...) Permaneció largo rato con los ojos cerrados, deliciosa y dolorosamente fascinado...Cuando los abrió, todo parecióle cambiado. La luna salía entre las nubes, un fuerte viento levantaba agitadas ondas en el estanque y la estatua de Venus, tan blanca e inmóvil, parecía mirar espantada la infinita calma de la noche”

Los fenómenos de la naturaleza aparecen como la manifestación sensible de su experiencia. El amor, en este caso, se presenta como esa turbación relacionada con la magia del momento fugitivo, con lo intuitivo, que acompañan los signos de la naturaleza. Episodio nocturno que materializa la pasión por lo ilimitado, lo inconmensurable de la naturaleza y de su propio ser, apartado de las barreras de cualquier norma social.
La Venus simboliza la confrontación con el deseo originario, con aquel amor primigenio. Y la fría eternidad de la estatua la objetivación y materialización de la experiencia, la concientización de sus deseos e intuiciones. La experiencia estética suscitada por la Venus lo aproxima a un universo de imágenes, recuerdos, construidos desde su infancia, que contrasta su mundo interior y lo bifurca entre el amor con la joven de la plaza y el amor hacia un ideal amoroso recobrado desde lo más profundo de su inconsciente.
La Venus griega y el mármol trabajan conceptualmente como símbolo de una estética y como material noble, en la contención del desborde espiritual de Florio, delimitando lo inabarcable, lo indecible, lo indescriptible de su experiencia nocturna. Y en este sentido, tomando a Shelling, esta intuición que aventura Florio a su viaje y más tarde aumenta su deseo de contacto y descubrimiento de la identidad de la joven griega, es el descubrimiento de su propia interioridad, de su yo, de su propio amor, de lo absoluto que no puede ser aprehendido ni comunicado de una manera descriptiva. Es la intuición intelectual, dice Schelling, la que conduce hacia un conocimiento que se alcanza de una manera inconsciente o no deducible lógicamente, y que sólo puede comunicarse a través de una intuición inmediata, estética, que pretende objetivar lo que no es objetivable. Esta objetividad universal es el arte, que aparece como condición para el reconocimiento de lo absoluto que excluye la limitada lógica del entendimiento, y que condensa en esta historia la estatua de la Venus como símbolo y experiencia del amor.
De algún modo podemos ver también la sustitución de la luz de la estética clásica, de la Venus, por las tinieblas presentes en el relato. La racionalidad aparece trasnochada por el sueño, lo cual se puede comprender desde un doble postulado, una lucidez que se traduce en una vuelta a los orígenes.
El viaje iniciático es una marcha hacia el saber pero a la vez una marcha hacia lo primigenio, hacia atrás, hacia un amor sublime escondido en lo más profundo de su ser y de la construcción del mismo.
Para acceder a este conocimiento Florio deberá enfrentarse con sus propios deseos y su mundo interior. La Venus materializa estas emociones y deja en Florio la perturbada duda de su origen. Su búsqueda se refiere a la identidad de la joven griega cuando sólo forma parte y cobra vida siendo la exteriorización de su mundo interior.
El camino que andará Florio revelará la función del amor en la formación de su identidad personal. El despertar del deseo amoroso a la vista de la Venus es lo que le dirigirá los pasos para reunirse con el ser cuya imagen le ha seducido. Es una fuerza primitiva la que lo arrastra, una fuerza que es de naturaleza pulsional. La iniciación de Florio consiste en la sublimación de este primer deseo.
El nivel simbólico de la figura y de la lucha contra las tinieblas en la que ella aparece se hace evidente en muchos de sus diálogos con su compañero Fortunato, que como dijimos, siempre aparece explicitando las sensaciones de Florio. También la recurrencia a la diferenciación entre la “luz” y la “oscuridad” como manifestaciones de los espacios que recorre y los síntomas de la naturaleza que lo rodea, acuden a establecer una aguda coherencia con la inestabilidad de su espíritu:

“La mañana-dijo Fortunato riéndose- es una buena y sana compañera cuando se lanza alegremente desde las montañas para despertar a un mundo adormecido, y sacude las lágrimas de las flores y los árboles, y alegra la naturaleza con sus cánticos. No tiene en cuenta tiernos sentimientos, sino que te remueve y suelta la carcajada al ver tu semblante, pálido, todavía envuelto por la luz de la luna...”

Los recursos a imágenes literarias de una potencia, digamos, cósmica, son atributos simbólicos que emparentan la noche con la incertidumbre, el día o la luz con la reflexión y el intento por comprender lo sucedido.
Las fuerzas de la naturaleza manifestadas por el viento, torbellinos, tormentas, nos hablan del cierto poder que se está despertando, donde Florio deberá traspasar una serie de pruebas a través de su viaje para alcanzar una etapa de conocimiento y sensibilidad superior a partir de la concientización de su mundo interno.
En términos morales el principio de la oscuridad, que aquí sería “negativo”, debe ser lo suficientemente enérgico como para explicar la luz de la conquista final, del saber. Recordemos que al final del viaje, Florio, cambiará de finalidad sin por ello renunciar al primer objeto de su deseo, optará por la joven y por la sabiduría recogida de su experiencia, habiendo superado , sufrimientos, desesperanzas y desconciertos. El amor ya no será visto por él como un impulso instintivo. Al final, cuando Florio se une a la salida de la ciudad con Fortunato, el tío de Bianca (la joven de la plaza) y un niño que acompaña al tío, se encuentran en una de las tiendas a Bianca, y es aquí el momento en que Florio le confía sus emociones y triunfa una gloriosa luminosidad:

“Me parece como si hubiera vuelto a nacer, como si todo me fuera a salir bien desde que os he encontrado. Nunca más me separaré de vos, si me concedes esa gracias...
Bianca le miró en vez de darle respuesta, como preguntándole a su vez con alegría contenida e incierta, y pareció entonces un ángel alegre en el profundo azul celeste de la mañana, que venía a su encuentro derramando sus rayos dorados. Los árboles resplandecían de luz, innumerables alondras cantaban alborozadas en el claro aire y así continuaron jubilosos sobre las radiante praderas hacia la floreciente ciudad de Milán.”

La estatua de mármol es de 1819 pero si tomamos las palabras de Starobinski nos encontraremos con algunas posibles respuestas sobre la utilización de ciertos recursos en relación a la luz y la oscuridad:

“Si observamos, alrededor de 1789, las innumerables obras que intentan imponer la imagen de la luz triunfante, de la claridad victoriosa en su lucha contra las tinieblas, se nos muestra que, en los grandes artistas, la sombra jamás se deja expulsar del todo; vuelve al asalto, de una u otra manera.”[1]

Starovinski refiere su análisis a la Revolución Francesa, de la cual entiende que se concibe en un primer momento como la gran aurora del género humano para después dejarse invadir por la sospecha, por la obsesión del enemigo interior, por el terror. El romanticismo, en este caso el romanticismo alemán, recurrirá también a personajes míticos análogos al conflicto entre la luz y las tinieblas expresando el aspecto problemático, errante y nocturno del mundo moderno. Pero a la vez se puede traducir en un camino hacia una lucidez mayor relacionado con un proceso de conocimiento que abre camino en medio de la oscuridad del bosque, y que para lograr el conocimiento verdadero se debe pasar por estos estadios.
Rovatti es clarificador en esto y sostiene que ya no nos encontraremos ante simples analogías u oposiciones; cada palabra deberá cargarse de múltiples sentidos entrecruzados y hasta equívocos, contradictorios hasta lo paradójico. La luz no será simplemente opuesta a la oscuridad, y no será una simple luz; la llamada no será un verdadero llamar, ni el escuchar un simple oír, el despertar no podrá ser un despabilarse, así como la Lichtung no es un calvero en medio de un bosque, y el lugar del pensar no es un verdadero lugar. Asimismo, el regreso es una partir inhabitual, la lejanía es un elemento fundamental de la proximidad; este partir es un aproximarse, este mirar podrá ser un escuchar. Rovatti trabaja sobre esta ambigüedad que convierte la obra en abanico de significados cruzados y encubiertos de los cuales resulta la calidad artística de la obra, espacio metafórico que se abre gracias a conexiones de diferente naturaleza y que permiten presentar lo real y hacer frente a la paradoja de “ver lo que es invisible” a través del lenguaje.

“La atenuación de la luz es una apertura de horizonte, una ampliación de la experiencia, cuya condición es un confiarse a la impropiedad del lenguaje, a la oscilación del sentido, a un peligroso yerro”[2]

Esta luz atenuada, esta oscuridad desde donde la luz surge y que se expresa a través de las metáforas sólo puede manifestarse si se confía, dice Rovatti, en la ‘divergencia’ de la palabra poética. La “luz negra”, por ejemplo, es el modo lingüístico con el que Derrida elige indicar una experiencia subjetiva, una experiencia de conocimiento. Donde el enigma metafórico trata de expresar el correlativo enigma de un punto de vista que se coloca del lado del sujeto y que trata de hacer valer su singular posición. La luz negra, sería en Derrida, un elemento intermedio entre mundo e idealidad, el momento en que la verdad para ser revelada debe negarse a la visión, ocultarse.

“En la metáfora de la luz negra, lo alto y lo bajo, el cielo y al tierra, no se oponen anulándose. La luz, lo alto, el cielo, el ‘éter del pensamiento’, no se transforma en su opuesto. La luz no tiene un opuesto y, sobre todo, no es la sombra su opuesto; vale decir que el pensamiento no se puede negar dialécticamente como pensamiento, y que el pensamiento de la sombra, de la noche, de la ‘locura’, es siempre una luz disfrazada, una razón astuta.”[3]

Tomando parte del texto en donde Florio insiste en encontrar al ser que cautivo su mundo, se encuentran gran parte de estás representaciones y otras también en relación a la producción de imágenes interiores:

“Luego se puso a pasear con agitación entre los árboles. Su alma anhelaba la llegada de la noche. Fortunato, con sus palabras, le había desconcertado, y sentía una extraña inquietud. Ya no sabía lo que quería y tenía la sensación de ser un vagabundo nocturno al que repetidamente llamasen por su nombre. Permaneció pensativo más de una vez ante la maravillosa perspectiva que le ofrecía el paisaje, como si quisiera preguntar cuál sería su futuro a las potentes y gozosas fuerzas del mundo. Pero sólo la mañana le iluminaba con sus luces mágicas a través de los árboles, y su ardiente corazón permanecía dominado por el ensueño. Luego temblaron las estrellas y fueron extendiendo su círculo mágico, y a la luz de ellas la bella estatua de mármol apareció con una nueva y poderosa atracción...”

Esta ambigüedad entre la realidad y la fantasía, el estado de ensoñación de Florio que se encuentra representado a través de diversas manifestaciones de la luz y de los elementos que componen los espacios, naturales o no, que lo rodean, son parte fundamental en la expresión de su sentir y en la presentación de su mundo psíquico donde el descubrimiento del objeto real de su amor todavía está velado por una serie de prefiguraciones imaginarias que lo anuncian. Un estado inicial del deseo que es puro sentimiento y que todavía no a abierto los ojos completamente ni sobre el mundo real, ni sobre la ensoñación, es un tumulto oscuro, como diría Starobinski en El ojo vivo. Primero se impone el sentimiento, luego la producción de imágenes interiores acude en ayuda del sentimiento que tiene como efecto distender la situación, entretener la inquietud, hacer más tolerable la oscura fermentación del deseo.
La ensoñación en su caso se atribuye a la ilusión de abrirse al mundo cuando en realidad solamente se hunde en un espacio que produce ella misma. El ámbito propio de la imaginación se encierra entre una oscuridad primera y un deslumbramiento final que parecen juntarse.

“Esta total presencia que ha reabsorbido todas las diferencias, que ya no dialoga con ninguna figura extraña (ni siquiera imaginaria), llega así a menudo a sentirse equivalente al todo del universo. La adecuación a la totalidad cósmica es el punto supremo que la imaginación puede alcanzar, pero donde toda imagen perece.”[4]

Pero como refiere Starobinski, y su conclusión entraría en relación con el desenlace de nuestra historia es que el poder expansivo del deseo, tras haber suscitado el mundo imaginario para negar y superar las imperfecciones del mundo real, termina su trayectoria con una ultima negación, que deroga al propio espectáculo de lo imaginario. La imaginación se opone a las mentiras y a los vicios de la sociedad construyendo aparte el reino de los tipos perfectos y de las virtudes superlativas. Su belleza esta ligada al no-ser , buscar siempre lo que no existe. Las imágenes que evoca para satisfacer su necesidad de amar no son más que el señuelo en el que su propia libertad se fascina y se aliena y viene a entristecer de repente su alma. Este vacío también debe ser negado y es allí donde Florio logrará superar la última prueba en el camino hacia su auto-conocimiento y posicionarse en un nivel superior del saber. Esto me recuerda el último encuentro entre Florio y la joven griega:

“-¡Dios mío, no dejes que me pierda en el mundo!. Apenas había pronunciado estas palabras en su interior, se levantó fuera un fuerte viento, como de una cercana tormenta, que soplo agitando todo.(...) tormenta parecía aproximarse, el viento silbaba uniéndose a los tonos de la canción desgarradora y su silbido atravesaba la casa, amenazando apagar las luces, que se agitaban con violentas oscilaciones. Súbitamente, Florio dio unos pasos atrás, púes tuvo la sensación de que la dama estaba ante él con los ojos cerrados y el semblante y los ojos completamente blancos... Al desaparecer el fugaz relámpago, desapareció también el espantoso rostro. De nuevo la estancia quedó en penumbra y la dama apareció sonriente como antes, pero silenciosa y entristecida, como reteniendo sus lágrimas”

De la misma manera que había abandonado el mundo para entregarse a lo imaginario, ahora lo imaginario se desvanece ante la verdad misteriosa con la que ha estado jugando. El éxtasis cósmico, el sentimiento de la existencia desnuda, tendrán el valor de una negación de la negación, una vuelta a la plenitud primera, tras el rodeo por las apariencias ilusorias. Para esto hace falta un poder de abandono total que es representado al final de la historia con el agotamiento feliz en el develamiento de la verdad, el enfrentamiento con sus contradicciones, su encuentro con Bianca y el camino del regreso vespertino.
Luego de su paseo por Lucca, Florio volverá al camino con su amada habiendo superado las turbaciones e inquietudes que le poseyeron, por lo cual ya no será el mismo de antes sino que su ser a sido modificado por el viaje y por la experiencia estética suscitada por la Venus. Experiencia que lo a conducido a contrastar su mundo imaginario con la realidad en busca de su autenticidad y la fuerza de expresar en su decisión final la naturaleza de su amor.

[1] Srarobinski, Jean; 1789, los emblemas de la razón; Ed. Taurus, Madrid, 1988, pág: 127-128
[2] Rovatti, Pier Aldo; Como la luz tenue,metáfora y saber, Ed. Gedisa, Barcelona, 1990, pág: 72
[3] Rovatti, Pier Aldo; Como la luz tenue,metáfora y saber, Ed. Gedisa, Barcelona, 1990, pág: 125-126
[4] Starobinski, Jean; El ojo vivo; Ed. Cuatro, Valladolid, 2002, pág:117

tan lluny, tan a prop

2008-06-30T10:51:00.000-07:00

Dada la cantidad de argentinos que hoy residen en Catalunya, especialmente en Barcelona, se
hizo imprescindible aunar esfuerzos e ilusiones, y llevar a cabo un gran evento lúdico-cultural, que permita acercarse, desde múltiples disciplinas, a la riqueza de la cultura y las tradiciones argentinas.
Y no solamente se apunta a mostrar las expresiones de carácter folklórico o tradicional, sino que
también hay un deseo por dar cabida a las expresiones más innovadoras y a aquellas de carácter
contemporáneo.
Asimismo, se diseñó, pensó y gestionó este evento cultural, Argentina – Catalunya, tan lluny, tan a prop, no sólo para el público argentino, sino también para personas de todo el mundo que se han dejado seducir por sus costumbres y tradiciones, o los que por curiosidad, tienen interés en acercarse más al pueblo argentino, desde múltiples vertientes.
Del 1er al 13 de julio entonces, se podra disfrutar este evento en distintos espacios de la ciudad de Barcelona a través varias actividades como conciertos de música en vivo, proyecciones de
documentales, exposiciones de arte, talleres, charlas, etc... y casi todo con acceso libre y gratuito, lo que no, a bajo coste.

Se encuentra toda la información en http://www.argentina-catalunya.blogspot.com/

Género: evento intercultural y lúdico de participación ciudadana
Fecha: del 1er al 13 de julio 2008
Lugar: ciudad de Barcelona (centros cívicos y culturales, galerías, milongas, bares, restaurantes,
parques...)
Acceso libre y gratuito
Mas info: www.argentina-catalunya.blogspot.com
Organizacion: la Casa Amarilla, BoNoBo Producciones, Camille Monin Produccion Intercultural
Contacto: argentina.catalunya@gmail.com

retrospectiva JUAN MUÑOZ

2008-06-30T10:45:00.001-07:00

LLR

A propósito de la exposición retrospectiva que realiza el Museo Guggenheim Bilbao de las obras de Juan Muñoz es preciso destacar la variedad de aspectos que el artista ha desarrollado a lo largo de su trayectoria.
Incluso confluyen en cada uno de sus trabajos diversos oficios y/o técnicas destinadas a disciplinas dispares del campo artístico y extraartístico.
Seres anónimos, uniformados, asimilados a unas mismas características físicas y expresivas son simbolizados por la casi ausencia u ocultamiento de sus órganos sensitivos receptores. Los conocidos sentidos de la vista, olfato, gusto, parte fundamental en el proceso de interpretación de los estímulos externos, se presentan incapaces de distinguir cambios en el ambiente.
Las figuras homogeneizadas, detenidas en la acción inútil de comunicar o aprehender lo que los rodea, se sitúan en posiciones ridículas con su entorno, en el sentido de que su accionar con el mismo frustra la posibilidad de diálogo. Los hombres de Juan Muñoz hablan a las paredes, a la nada, a otros sin oídos. Intentan expresar, inclusive en lenguaje corporal lo que nunca llega a comunicarse.
Detenidos en su empeño es también el espacio arquitectónico el que genera un mundo inhabitable, infuncional. Estructuras símiles al interior de cualquier vivienda pero que se componen de elementos atrofiados en su funcionalidad primaria. La única función que los define es la de connotar una abertura o una escalera pero imposibles de recorrer o de relacionar un espacio con otro. Es el sentido estético el que prevalece en su carácter simbólico relacionado a un contexto que refiere a la imposibilidad de la dinámica de la vida.
El artista presenta sus instalaciones en amplios espacios sin saturación visual. Los complejos escultóricos son austeros, de mínimos recursos, sólo los necesarios para la elaboración del mensaje. Los ambientes generados por Juan Muñoz parecieran estar abarrotados de ausencia. Uno puede transitarlos por el simple hecho de que físicamente esto es posible pero son lugares que no invitan a estar, sólo a extraviarse en el sin sentido de lo invariable, es inmediata la presencia de un organismo inalterable. Se trata de espacios habitados sólo por seres volcados irremediablemente hacia su interioridad.
La tensión entre presencia y ausencia, entre la visibilidad de un atisbo de deseo, de contacto con el exterior y el aislamiento enfermizo con su consecuente reflexión individual caracterizan las obras. La reproducción de actitudes y gestos humanos en seres amputados de los medios para desarrollarlas, ya sea en su configuración física, ya sea en los espacios donde están dispuestos pareciera ser un repertorio de situaciones irresolubles que concluyen en lo absurdo o en la supresión del anhelo de transmitir.
Los trabajos de Muñoz indagan sobre la identidad. Sobre la necesidad de detenerse y volver a examinar en la naturaleza del hombre, pero del hombre sumergido en la cotidianeidad de la sociedad contemporánea.
La soledad se expone como la causante de la división del ser humano en un mundo de contrarios. Entre el empeño y la voluntad por manifestar aquello encubierto bajo su aspecto indiferenciado o dirigir su revelación hacia un mundo interior ininteligible continuando con escenas de inconclusa conexión, de insinuaciones sin correspondencias.
Un muñeco de ventrílocuo sin ventrílocuo, el apuntador ante el escenario vacío, las enigmáticas figuras cómplices y sonrientes de no se sabe qué cosa. Todas situaciones sin explicación entre juegos de apariciones y desapariciones.
En los complejos escultóricos del artista no es el cuerpo, la figura, la que concentra sola la energía del mensaje. Podemos decir que existe una aguda y precisa conexión entre todos sus elementos. El escenario arquitectónico, las figuras, su disposición, los vacíos, los sonidos que muchas veces provienen de los motores utilizados para la movilidad de sus composiciones. El ámbito expositivo queda imbuido de la expresividad enigmática de la acción que sucede a partir de la dialéctica de todos los elementos participantes de la obra.
La oportunidad de recrear una mirada fluida y un espacio transitable para la contemplación de la obra en su integridad acentúa la profundidad de la percepción y la reconsideración de elementos dentro de cada fragmento de la instalación permitiendo la vivificación de la materia.
Este tipo de percepción anula la distancia entre la obra y el espectador y nos genera la idea de una interpenetración que nos sitúa en el núcleo de la experiencia estética.
Se trata de una mirada próxima y móvil, no única, que se aleja de una interpretación totalizadora hacia múltiples lecturas como unidad indeterminada.
Las diversas figuras y elementos de las obras comienzan a equivaler a una cosa viva que simbolizan nuestra experiencia en el proceso de conocimiento a través de la contemplación de la misma. De modo que las figuras, o en muchos de estos casos, la escenificación del complejo escultórico es fundamental en la composición y en la vivencia del juego propuesto para la proyección de nuestro propio ser. Esto es que en definitiva la creación artística siempre se encuentra modificada por nuestra percepción y somos nosotros los que también alteramos nuestra apreciación de las cosas gracias a ella.
Esta idea de interioridad de la obra, de interioridad sujeta a al receptor, y el hecho de un contemplador susceptible a lo manifestado por la obra, conserva el sentido vivificante que le otorga potencia a la materia artística y que a su vez materializa nuestra experiencia en la misma.
El asunto en cuestión en los trabajos expuestos son la manifestación de lo más profundo de nuestras problemáticas actuales en cuanto a individuos que no encuentran solución a sus problemas existenciales más primarios, a la necesidad del otro para la continuidad y expresión de nuestra humanidad, la imposibilidad de construir individualmente y la frustración de no encontrar respuesta dentro de las concepciones concebidas en la actualidad. Pero nos encontramos con una paradoja en la producción de Muñoz, el mensaje logra trasladarse y ser reflexionado íntimamente a través de sus producciones. Paradoja propia de las artes que poseen la habilidad para expresar lo indecible e inconmensurable. Es el arte el que rompe con la imposibilidad de decir por medio de su facultad para objetivar nuestras impresiones e intuiciones más profundas, conservar nuestros deseos y miedos, lograr comunicarlos y de este modo intervenir y modificar nuestra forma de vida.
El arte es lo que hace de la obra de Juan Muñoz no un dictamen de nuestra realidad ni una denuncia de nuestras miserias sino la apertura a la reflexión, al diálogo y a la modificación de nuestra existencia en sus aspectos más dinámicos y positivos.
De algún modo sus seres nos miran desde su interior y nos aproxima a nuestras verdades, dificultades y superaciones, para nuestro desarrollo espiritual y humano.

A Place Called Abroad (for Juan Munoz)

2008-06-26T07:12:00.001-07:00

Mujheroes

2008-06-25T12:15:00.000-07:00

MUJHEROES reunirá artistas latinoamericanas y europeas en Barcelona.

La Casa Amarilla realizará un especial homenaje a las mujeres a través de una exposición que exprese su rol fundamental en el diálogo entre culturas.

Acción que integra el Circuito Nomadart, MUJHEROES: les dones son el pilar de les nostres societats, per tant, son les peces fonamentals del diàleg entre culture, reunirá del 10 al 30 de septiembre de 2008 aproximadamente 50 obras de diez artistas latinoamericanas y europeas.

La exposición será realizada en el Centro Cívico Fort Pienc

Dirección: Calle Ribes, 14 - Barcelona
tel: 93 2327827
horario: 9:00 hs a 21 hs

Artistas seleccionadas:

Adriana Ospina
Alicia Alba
Caterina Zacchetti
Florencia Bosio
Gloria Martha Mariño
karin Barreras
Lucrecia Literas
Mariana Buchin
Martha Zylbersztejn
Yasbel Perez

CIRCUITO NOMADART
Circuito itinerante de exposiciones de artes plásticas y fotografía, de artistas catalanes, latinoamericanos y europeos.

ARTISTAS NOMADART:
AZIZ EL HAMOUDI BADER
CLARA GAGLIARDI
CRISTINA LOPERA
DANIEL DISABEL
FRAN
GERMAN CASETTI
JAVI CERA ADAN, ArteBastardo
KARIN BARRERA
LAURA OLIVERA
LUCRECIA LITERAS
LUZ VALENCIA
MARC ALBA'
MARIANA BUCHIN
MARISOL D'ESTRABEAU
QUERAL BARDET
RAFAEL DIAZ
SAMUEL ANCIONES GARCIA
SILVIA GUITART
SONSIONE (JAVIER BULLIDO)

nota de prensa - exposición en la Llotja

2008-06-21T07:48:00.000-07:00

clikear para ampliar el artículo de "nova ciutat vella"

Andrei Tarkovsky

2008-06-13T16:29:00.001-07:00

Escena final de "Solaris", interpretación de la obra escrita por Stanislaw Lem

utopía e imagen en Ricardo Carpani

2008-06-11T10:33:00.000-07:00

ESTÉTICA
3.1. ARTE Y SOCIEDAD. UTOPÍAS.

Toda obra de arte configura una estructura entendiendo a ésta como un conjunto de elementos relacionados entre sí. Esta relación se establece en un sentido definido, dice Carpani, los elmentos que componen la obra existen en función de un fin, de su expresión unitaria y final, la razón de ser de la obra artística, la que constituye su contenido.
Su concepto de obra artística determina a la misma como expresión de sentimientos e ideas pero que se encuentran presentes en la estructura de la obra por lo que el artista se propuso conscientemente comunicar y también por lo que comunicó sin proponérselo. Para Carpani la obra artística siempre tiene el objetivo de manifestar un mensaje que se encuentra diseñado por la personalidad total del autor, la consciente y la inconsciente. Este mensaje es captable por el espectador, por una parte, a través de la sensibilidad, en forma emotiva, como apelación directa a su inconsciente; la otra, en forma racional, consciente.
La especial disposición y mutua relación de los elementos conformadores de una estructura artística, genera una serie de sensaciones, visuales, auditivas, etc., según el tipo de expresión artística o los elementos que la conforman, y para Carpani esta estructura despertaría en el espectador impulsos similares a los que se produjeron en el artista, antes y durante el proceso gestor de la obra, como consecuencia de experiencias provenientes de la realidad que actuaron sobre él, sensaciones que hieren directamente la subjetividad del espectador, y de ahí la importancia fundamental que tienen el medio y la época en la determinación de los contenidos de la obra de arte. Dentro de este concepto son precisamente el medio y la época, es decir la realidad de un momento histórico, los que, modelando la subjetividad del artista, generan aquellos contenidos expresados en la obra a través de las formas por él buscadas. Para Carpani el arte constituye el medio más directo y profundo de comunicación entre los hombres, en tanto recreación de la realidad, es al mismo tiempo una forma irremplazable de conocimiento de la misma en su totalidad, ya que permite hacer carne en el espectador, de un modo inmediato, aspectos de esa realidad sumamente huidizos y difíciles de racionalizar. Esta realidad no se refiere a la apariencia física exclusivamente sino como conjunción de factores económicos, políticos, sociales, culturales, geográficos, etc., en permanente interacción dialéctica, en un momento dado del desarrollo histórico de determinada comunidad. La importancia del arte como elemento de conocimiento y comunicación, deriva de la posibilidad de apelar directamente al inconsciente del espectador sin que medie una racionalización previa. Es un elemento generador de estados emotivos, por la forma directa e inmediata en que transmite los contenidos más profundos de la realidad. Esta característica determinaría su eficacia en la creación y el mantenimiento de los factores subjetivos predominantes en la sociedad.
Entonces entendemos que en Carpani, el arte no constituye tan solo un reflejo pasivo de la realidad total, sino una síntesis superior de ésta. Manifestaría una realidad condensada, en sus esencialidades últimas, en sus contradicciones sumamente difíciles de racionalizar en todos sus matices y que encuentran en el arte el más acabado y perfecto modo de expresión y medio de comunicación. El arte actúa de esta manera, dialécticamente sobre la sociedad, haciendo percibir, directa y espontáneamente, esas esencialidades en forma integral y en su fase extrema, y lo que para Carpani es más motivador aún, acelerando el proceso histórico. La función del artista sería la de sintetizar en su obra los aspectos más agudos de la realidad generalizándolos en la sociedad y al generalizarlos los hace pasar al inconsciente colectivo, dando lugar a la aparición de otros aspectos más avanzados. El arte sería un modelador del inconsciente colectivo y simultáneamente se nutriría de él, pues todas aquellas esencialidades en su fase extrema, al ser difundidas por el arte en la comunidad, provocarían una serie de acciones que actuando sobre la realidad, la modificarían.
Considerando la parte conciente, racionalizada del contenido de la obra artística, que para Carpani se expresa a través del tema, las posibilidades de gravitación del arte sobre la sociedad se ampliarían considerablemente y al introducir en su estructura un elemento ideológico, se ensancharía y enriquecería su poder comunicativo haciéndose vehículo de ideas sin que ello menoscabe sus cualidades especificas. En este caso, el artista, señalaría el camino necesario para superar las contradicciones de la realidad, impulsaría el proceso histórico al dar en su obra una imagen ideal del futuro inmediato. Pues tal imagen ideal, proyectándose sobre la sociedad, tiende a concretarse en la realidad, y por lo tanto modificar a ésta en un sentido superador de sus contradicciones.
Si el arte constituye un importante elemento superestructural de la sociedad, que reactúa dialécticamente sobre ella, acelerando el devenir histórico, resulta evidente la influencia que podría ejercer en el desarrollo de un proceso revolucionario, al estar imbuido de un contenido similar. Al surgir el arte de una realidad determinada, sintetizando sus aspectos más activos, la obra sólo comunicaría contenidos revolucionarios en la medida que éstos constituyan esos aspectos más activos de la realidad. Actuarían sobre el proceso histórico, pero como nace de él y es una de sus partes, lo haría en el sentido que tal proceso lleva.
Para Carpani, las circunstancias históricas concretas determinan los contenidos de la obra de arte, cuando tales circunstancias cambian, cambian también esos contenidos, pero si existe un permanente e intensivo contacto del arte con la sociedad, este repercutiría a su vez sobre aquellas circunstancias, acelerando el proceso en el cual están encauzadas. Al exaltar los aspectos que más gravitan en la orientación de un momento histórico, sean estos expresión de un orden en descomposición y sin posibilidades revolucionarias inmediatas o expresión del elevado desarrollo de las nuevas fuerzas en el seno de la vieja sociedad, el arte, de ambos modos, funcionaría promoviendo el devenir histórico.
En el primer caso, porque al acelerar y agudizar la descomposición, ayuda a que ésta alcance los límites que exigen un cambio estructural. En el segundo caso, suscitando directamente el desenvolvimiento de la revolución. El arte para Carpani va reflejando y promoviendo los cambios cuantitativos que en la realidad se producen y solo altera sus contenidos cuando la acumulación de tales cambios transforma a ésta, modificando su calidad. Entonces un arte revolucionario sólo podría existir en una realidad análoga, que al mismo tiempo contribuye a generar y desarrollar.
En definitiva, lo que para Carpani es primordial es la interacción dialéctica entre las masas y el artista, éste, en su ideal, mantiene vivo el espíritu revolucionario de aquellas y la exaltación producida por la obra de arte, constituye una necesidad imperiosa de las masas en acción; a lo que Carpani ejemplifica con aquellas canciones y otras manifestaciones artísticas populares nacidas espontáneamente en el fragor de la lucha.
Pero a propósito de éste último párrafo, sí hay un tema que no se puede ignorar, y que Carpani no deja de reflexionar desde sus textos, es la relación entre calidad artística y efectividad política. Dice que no pretende limitar la esencia del arte, exigiendo su subordinación a la política, reduciéndola nada más que a un mero instrumento de ella. Al margen del rol que puede y debe para él jugar en todo proceso revolucionario, sus cualidades específicas se mantienen inalterables, siendo ésta, una garantía de su efectividad en el cumplimiento de aquel rol. Esto es, en el arte la transmisión de contenidos revolucionarios exige la existencia de obras de elevada calidad, y si esta condición no se cumple, el resultado sería negativo, no sólo desde el punto de vista estético, sino también en cuanto a su efectividad política revolucionaria. Por lo tanto el artista no podría recibir otra coacción en la elección de sus medios expresivos y en el tratamiento formal de la obra, que aquella impuesta por su necesidad de reflejar la realidad en sus aspectos mas dinámicos. No debería existir ninguna arbitraria imposición de estilos. La más absoluta y total libertad debería imperar en este sentido.
Acerca de las coerciones actuantes sobre el artista, que entrarían en conexión con la problemática de libertad y coloniaje, piensa en el “realismo socialista”, pero tampoco son las únicas aquellas imposiciones estatales o de partido. Se detiene en las restricciones de la sociedad capitalista que se ejercen de un modo sistemático, y estas se sintetizan en la presión ejercida por las clases altas, en su condición de principales consumidoras de obras artísticas, imponiendo sus gustos a través de los órganos de difusión cultural que directa o indirectamente controla.

“En países como el nuestro, proyectando al campo del arte su condición de vasallas del imperialismo y determinando el pavoroso coloniaje cultural y artístico que padecemos.”[1]

Para Carpani el contenido emotivo de las grandes obras artísticas a formado parte indisoluble de los sentimientos y aspiraciones mayoritarios, preponderantes de su época, tanto que el arte se nutre en los estratos más profundos de la comunidad, siendo el reflejo directo de los valores colectivos vigentes en determinado momento histórico y en determinada sociedad. Constituye un testimonio fehaciente de la espiritualidad de su tiempo, la cual, a su vez, está definida por la actitud de las masas frente a los problemas fundamentales de la existencia. De ahí la unidad estilística existente en cada región, en cada una de las grandes etapas de la historia del arte; la unidad de concepto entre los distintos artistas de extracción social diferente y la analogía en los contenidos expresados por la obra.En este sentido podríamos decir que la obra de Carpani se encuentra imbuida de una fuerte dosis del sentido utópico de su tiempo y contexto. Al igual que las luchas políticas y sociales que compartió con los hombres y mujeres de su época, su obra es expresión de este intento de realización de un ideal, donde el espíritu de la utopía era consustancial al movimiento revolucionario y al ideal emancipador o liberador. Arte y utopía manifestaban la posibilidad de otro lugar. Las ideas, imágenes y su capacidad de comunicación y divulgación, intentaban exponer la realidad, contrastarla con las potencialidades de cambio de la misma, y alimentar las convicciones de un futuro sensible a las necesidades sociales, políticas y culturales colectivas y sin parcialidades.

[1] Ricardo, Carpani; La política en el arte, Ed. Coyoacán, Buenos Aires, 1962, pág.34.

por Lucrecia L.R.

julio

2008-06-11T09:38:00.000-07:00

Martes 1 de Julio
• 19:00 Proyección de cortos Argentinos “MAIN(e)” C.C Drassanes• 19:00 Proyección de “Como Mariposa en la luz " con la presencia del director Diego Yaker C.C Cotxeres Borrell

• 20:00 Inauguracion expo Gerard Garcia Vilarrasa con conferencia a cargo de un obrero de la fabrica Zanon, Leopoldo Gabriel Reyes en C.C Parc Sandaru

• 20:30 Inauguración de las expos de Andrea Nepote y Laura Carrascal en C.C Cotxeres Borrell

• 20:30 Inauguración expo “Fileteados porteños” C.C Drassanes

Miércoles 2 de Julio
• 19:00 Concierto inauguración expo Lucrecia Literas en C.C Font de Guatlla

• 20:00 Clase de Tango en el RAI, 1€ y milonga entrada libre.

• 20.30 Inauguración de las expos de Federico Duret y Flor Vacherand en CC Magoria.

• 21:00 Milonga al aire libre en C.C Magoria

• 22:00 Proyección de cortos argentinos “Cortalamos” en Bar los Álamos

Jueves 3 de Julio
• 19:00 Proyección de “ Pibe no” en Casa América Catalunya

• 19:30 Inauguración expo “MAIN(e)” en C.C Pati Llimona

• 20:00 Concierto de Nora Luca en Sóló bar

• 20:00 Inauguración expo de Iñigo Bujedo en Galeria H20

• 20:00 Concierto de Lunático Tango inaugurando la expo de Paola Mikiej en C.C Can Castelló

• 21:30 Proyección al aire libre “ Si nos dejan” C.C Magoria

Viernes 4 de Julio
• 19:00 Proyección “La otra copa” en Casa América Catalunya

• 23:00 Milonga El Desbande con Dj Olga, 6 €

Sábado 5 de Julio
• Jornada multidisciplinar argentina en La Ravalera de 12:00 am hasta la madrugada con: Clases de tango para niños y adultos, comida a la canasta, milonga, Folcklore Argentino, conciertos… más info aquí.

• Taller de cocina intercultural en Mescladís

• 18:00 Festival “Argentina-Catalunya” consultar web

Domingo 6 de Julio
• Jornada multidisciplinar argentina en La Ravalera de 12:00 am hasta la madrugada con: Clases de tango para niños y adultos, comida a la canasta, milonga, Folcklore Argentino, concierto “jam de músicos”… consultar web.

• 17:00 Clase de tango 5€ y 18:00 milonga gratuita en Gratalonga

• 22:00 Proyección de Videoclips “MAIN(e)” en Bar Ultramarinos

Lunes 7 de Julio
• 17:30 Taller de piñatas 1 en C.C Magoria (Infantil, inscripción previa a partir del 1er de julio, 3€)

• 19:00 Proyección de “El papel del Sur” en C.C Can Castelló

• 20:00 Jam de instrumentos étnicos, antiguos o insólitos en el Sóló bar

Martes 8 de Julio
• 17:30 Taller de piñatas 2 en C.C Magoria

• 21:00 Concierto de Mauricio Rey en Sóló Bar

Miércoles 9 de Julio
• 17:30 Taller de piñatas 3 en C.C Magoria

• 20:00 Clase de Tango en el RAI, 1€ y milonga entrada libre

• 21:30 Proyección al aire libre de “ La Toma” C.C Pati Llimona

Jueves 10 de Julio
• 19:00 Proyección de “Tango, un giro extraño” en Casa América Catalunya

• 21:30 Proyección al aire libre de “Sóc Català en Argentina” con la presencia del director Fran Blanes en C.C Magoria

• 21:30 “SUK MELIK: el mercadillo d’intercanvi” en Sóló bar

• 22:00 Proyección al aire libre de “La suerte está echada” en C.C. Cotxeres de Sants

Viernes 11 de Julio
• 19:00 Proyección de “Más Tango” en Casa América Catalunya

• 19:00 Proyección de “El asadito” en C.C Cotxeres Borrell

• 21:00 Concierto de Lunático Tango en Sóló Bar

• 22:00 Concierto de Nora Luca en La Juglaresca

• 23:00 Milonga El Desbande con Dj Olga y solo de Danza - tango a cargo de Carlos Baruque "No solo tango" 6 €

Sábado 12 de Julio
• 21:30 Concierto de Argento Tango Fusión en Apolo 2

• De 18.00 a 00:00, Mateada popular, torneo fútbol, master class de tango, comida argentina, taller de piñatas (inscripcion gratuita hasta el 10 de julio), concierto milonga de Cecilia Ledesma, proyección de “Corazon de fabrica"… en Parc Estació de Nord

• Jornada multidisciplinar argentina en La Ravalera de 12:00 am hasta la madrugada con: Clases de tango para niños y adultos, comida a la canasta, milonga, Folcklore Argentino, conciertos…

Domingo 13 de Julio
• Jornada multidisciplinar argentina en La Ravalera de 12:00 am hasta la madrugada con: Clases de tango para niños y adultos, comida a la canasta, milonga, Folcklore Argentino, concierto “jam de músicos”…

• 17:00 Clase de tango 5€ y 18:00 milonga gratuita en Gratalonga

• 20:00 Proyección de “Videoarte” en el Sifó• 20:00 Proyección de "Argentina, una democracia en peligro” presentada por el director, en Sóló bar.

marató 6 y 7 de junio 2008

2008-06-01T11:19:00.000-07:00

COMPAÑÍAS 25 MARATÓ DE L'ESPECTACLE6 y 7de Junio 2008

TEATRO
Eduard Fernández / Christian Atanasiu / Los Los / Los Chapertons / Solubles Teresa / Katraska Cia / Godoy / Dan’Voy / Dani Pérez / Niña del Mago / Plàudite Teatre/ Laitrum Teatre / Camisole chimique / Vacabrutateatro / Mime Malou / Compagnie Kimé / Gocha&Lercha&Co / Just2persons / Ale Risorio / Juan y Lau / O2Teatre / Don Markitos y la encantadora MariYo / Six&Swing&Pantomime / Interruptus / El torrente de sorpresas / Tito vias company / Hugo Hermo … y más

DANZA
Cesc Gelabert / Sol Pico / Nats Nus / Jordi Galí / Lanonima Imperial / Jordi Cortés / Raravis (Andrés Corchero) / Tap Olé / Barcelona Addictos / Matxalen Bilbao / Lesya Starr / Alismas / Increpación Danza / Kompanie Janet Rühl - Arnd Müller / NDanza / Yolanda Cortes / Cia Sonia Rodríguez / Slam Dancing Productions / Danzas Invisibles / Noemí Oncala / Iliacan / Supernenes del Swing / Paula C. Collins Modern Dance Theatre / Paula Muela / Claire Parsons Co. / Darí Darí Dance Company /Olística Mística / Orquesta Barnakustica / Sound System Dance Crew / D'Block the on stage company / Chiefs Rockers / Soledad Corna / Laura Llauder … y más

CIRCO / CLOWN
Los Galindos / Loco Brusca / Claret Clown / Zirkus Frak / Club Calypso / Desastrosus Cirkus / Zahir Circo / Xyomaru / Salto in Alto / Gente Colgada / Judita / Betty i Rosy / Companhia Carrossel / Marilen Ribot … y más

VARIEDADES, PERFORMANCE Y DIVERSOS
Sarruga / Accidents Polipoètics / Jordi Bertran / Paloq’sea / Nino Mallorca / Paca Trio / Raízes / Bibriba African Acrobatics Group / Serjo / Combart / Kuboambulante ... y más

MÚSICA
Always Drinking Marching Band / Calima / Tactequeté / Jorge Sarraute / The Slampampers / Divinas … y más

ARTES PLASTCAS
Jerónimo Ruedi/ Stefania Romagna/ Sandra Rubies/ Lucrecia Literas Rondón/ Fernando Clemente/ Soledad Corna/ Diego Noguera Jaramillo/ Alba Keríz Bagà / Serial Artist ALMAZEN

FIRA PICNIC
A.M.B.I.B LOCO CIRCO DE LA VIDA Y CIRCO DE LA VIDA/ ASOCIACION WAFAE/ ASSOCIACIÓ LLIBRE OBERT/ Mº CARMEN MARTINEZ/ ASC.CATALANA DE DANZAS Y MÚSICA AFROCUBANA/ PECAT DE GOLA/ ASOCIACION ARTISTICA CULTURAL INTIHUATANA/ COLECTIVO ARTESANOS NATIVOS DEL PERU/ ASOPXI. ORG/ NALLE CLUB/ RESTAURANTE VEGETARIANO ORIENTAL/ LA COTXERA/ PALLASSOS SENSE FRONTERES/ MABROUKA/ AS.CULT.CAPOEIRA ANGOLA BARCELONA/ ASOCIACIÓN INTERCULTURAL LATINOAMERICANA DOSMUNDOSMIL/ OH!JALA/ DRAP ART/ LA PIZZA DELLAMORE/ ASSOCIACION CULTURAL LA CHETANA/ FUNDACIÓ CIUTADANIA MULTICULTURAL / MESCLADÍS/ ITZTLI COCINA MEXICANA/ LA TRIFULCA/ FLAMENCO BARCELONA/ THUYA ACADEMIA/ TAU/ TRANSFORMAS/ ASOCIACIÓN DE TEATRO SOCIAL Y TEATRO DEL OPRIMIDO/ SELVA/ ALMAZEN/ COLECTIVO GALLERY BIZART/ LA SALAMANDRA/ SAMBÉ DO TIMBALÉ

miscelanea en la Llotja -Barcelona-

2008-05-17T12:01:00.000-07:00

eldígoras.com [páginas de lengua, literatura y arte]

2008-05-12T10:28:00.000-07:00

publicación exposición Federico Duret-organizado por Lucrecia Literas Rondón en L'Antic Teatre

2008-05-11T07:03:00.000-07:00

el punt

EXPOSICIONS BARCELONA

Altaïr, Gran Via Corts Catalanes 616. Sense títol, pintures de Silvia Japkin. Dates: tot el mes. Àngels Barcelona, Pintor Fortuny 27. Esther Ferrer. Dates: fins al 3 de maig. Arxiu Fotogràfic de l'Arxiu Històric de la Ciutat, Pl. Pons i Clerch, 2 2n pis. Montjuïc 1915, primera mirada, fotografies sobre la transformació urbanística de la muntanya. Fins al 30 de maig. Ateneu La Torna, Sant Pere Màrtir 37, baixos. Efervescència Social dels Anys 20 (1917-1923). Biblioteca Francesc Candel, Amnistia Internacional, 10. Un dia a la Seat, fotografies del fons Prieto-Rius. Fins al 31 de juliol. Biblioteca Horta-Can Mariner, Vent 1. Homenatge a les dones que fan i han fet la bugada al llarg de la història. Dates: fins al 29 d'abril. Candela Raval, Hospital, 48. Hablando con la pared, il·lustracions d'Iván Bravo. Casa Amatller, Passeig de Gràcia, 41. Dones d'aigua, fotografies de Tomàs Abella a l'Àfrica subsahariana. Preu: gratis. Dates: del 10 d'abril al 18 de maig. Casa Amèrica Catalunya, Còrcega 299. No más, de Yolanda Naranjo. Fins al 17 de juliol. Casa Orlandai, Jaume Piquet 23. Els feminismes de Feminal, sobre la revista feminista sorgida a principis del s. XX. Casal d'associacions juvenils, Ausiàs Marc 60. Nómadas del siglo XXI, obres plàstiques d'artistes de tot el món afincats a Barcelona. Fins al 5 de maig. Centre Cívic del Guinardó, Ronda Guinardó, 113-114. Les àvies i els avis escriuen contes i els infants els dibuixen. Dates: fins al 7 de maig. Centre Cívic El Carmel, L'Aldea 15-17. Elogio a Chillida, de Cristina Peñuela. Dates: fins al 16 de maig. Centre Cívic El Coll, Aldea, 15. De la paraula al dibuix, il·lustracions de Victòria Tubau. Preu: gratis. Dates: fins al 2 de maig. Centre Cívic La Sedeta, Sicilia 321. Els colors del silenci, pintures de Virginia Vidal. Dates: fins al 15 de maig. Centre Cívic Sant Andreu, Gran Sant Andreu 111. Barcelona i el mar. La transformació d'una ciutat, fotografies. Centre Cívic Torre Llobeta, Santa Fe 2. Una mirada al passat, per somiar el futur, 15è aniversari del grup Dones en Forma. Dates: fins al 24 de maig. Centre Cultural Fundació Círculo de Lectores, Princesa 52. Mercè Rodoreda il·lustrada per Ràfols-Casamada. Dates: fins al 30 d'abril. Centre de Cultura de Dones F. Bonnemaison, St Pere més Baix 7. Llibres/Lliures, de Silvia Japkin. Dates: del 15 al 30 d'abril. Centric Point, Passeig de Gràcia, 33. Jose Montes, pintures. Preu: gratis. Dates: tot el mes. Crea21espais, Passatge de la Pau 14, baixos. Daniel Meakin + Albert Coma, pintura. Preu: gratis. Dates: fins al 31 de maig. Església de Sant Sever, Sant Sever, 9-11. Lluís Reñé i Padrisa. Un artista en tots els camps. Dates: fins a l'1 de juny. Espacio Movistar, Pascual i Vila, s/n. Lars Arrhenius: recent works. Dates: fins al 30 d'abril. Espai [b], Torrent de l'Olla, 158. Eco, d'Alberto Plácido. Dates: fins al 28 d'abril. Espai [b], Torrent de l'Olla, 158. Silvia Masgoret i Markus Haub. . Dates: fins al 28 d'abril. Espai Mallorca, Carme 55. Camuflatges, de Laura Marte. Dates: fins al 29 d'abril. Eurostars Cristal Palace, Diputació 257. El món al revés, gravats de diversos artistes. Preu: gratis. Dates: fins al 29 de maig. Experimentem amb l'Art, Torrijos, 68. Transgeneracions, projecte de Toni Tena + The Valls Brothers. Fins al 20 de juny. FAD, Pl. Àngels. Mater in progress, sobre la innovació tecnològica dels materials. Últim dia. Fotoespai Barcelona Centre d'Imatge, Coroleu, 74. Índia del Sud, fotografies d'Àngel Peral. Dates: fins al 31 de maig. Fotoespai Barcelona Centre d'Imatge, Coroleu, 74. Passejant el gos, fotografies de Ramon Oliveras. Dates: fins al 30 d'abril. Fundació Casa del Tibet, Rosselló, 181. Fragmentos del Tíbet, fotografies de Merxe Alarcón i Sergi Masdeu. Preu: gratis Dates: fins al 19 de maig. Fundació Suñol, Passeig de Gràcia, 98. 1970-2001, col·lecció Josep Suñol. Galeria Artevistas, Ptge. del Crèdit 4. Urbania. Sampleo políglota del paisaje urbano, de Javier De Cea. Fins al 4 de maig. Galeria Maria José Castellví, Consell de Cent 278. Tokyo - Kyoto, obres de Segú, Maeso i Cisquella. Fins al 3 de maig. Galeria Sargadelos, Provença, 276. Lugares, obres de Susana Peses Wassermann. Preu: gratis. Dates: fins al 7 de maig. Galeria Senda, Consell de Cent, 337. Jordi Bernadó, fotografies entorn la ciutat, l'arquitectura i el panorama urbà. Dates: fins al 3 de maig. Golferichs El Xalet, Gran Via, 491. Puramente argentinos, fotografies de DarioTommaseo. Gothic Point, Vigatans, 5. Antonio Duesa, pintures. Preu: gratis. Dates: tot el mes. La Cámara Lúcida, Gran de Gràcia, 9. Fotosíntesis/Ego Canis, fotografies de Rocío Ahumada i Jochi. Fins al 25 de maig. La Maquinista, Potosí, 2. Ladrones de motores, atracció multimèdia i interactiva. Dates: fins al juny. La Pedrera, Provença 261-265. Zoran Music: de Dachau a Venècia, retrospectiva del pintor eslovè. Dates: fins al 18 de maig. La Xina A.R.T., Doctor Dou 4. On the road, de Cruz Rivacoba. Dates: fins al 10 de maig. L'Antic Teatre, Verdaguer i Callis 12. Figuras literarias, pintures de Lucrecia Literas. Lletraferit, Joaquim Costa 43. Simetries, poemes de Joan-Ignaci Elias i dibuixos de Juan Carlos Beneyto. Fins al 15 de maig. MACBA, Pl. dels Àngels 1. Asier Mendizabal, escultures i instal·lacions de l'artista basc. MACBA, Pl. dels Àngels 1. Lothar Baumgarten. autofocus retina. Fins al 15 de juny. MACBA, Pl. dels Àngels 1. Nomeda & Gediminas Urbonas, projectes i instal·lacions 2000-2008. Fins al 15 de juny. MACBA, Pl. dels Àngels 1. ...per a la compensació osmòtica de la pressió de la riquesa. Alice Creischer: obres i col·laboracions. Fins al 18 de maig. Marlborough Barcelona, València, 284 1r 2a A. 50 m2, de Francisco Leiro. Fins al 31 de maig. Metro Universitat (vestíbul de la L2), Plaça Universitat s/n. Refugi. Quan el refugi és el subsòl, memòria dels bombardejos de març de 1938 a Barcelona. Preu: gratis. Dates: fins al 30 d'abril. Museu de la Música, Avda. Diagonal 373. Contrapunt: Enric Granados-Pau Casals, exposició sobre la relació entre els dos músics. Fins al 28 de juliol. Museu de la Xocolata, Comerç 36. Història d'uns colors, exposició dedicada al món del FC Barcelona. Museu Egipci de Barcelona, València 284. Sarcófagos del Antiguo Egipto. Jardineros de Amón en el Valle de las Reinas. Museu Marítim, Avda. Drassanes 1. Cristal·lografia d'un port, escultures d'Alfredo Lanz. Preu: 6,5. Dates: fins al 25 de maig. Palau de la Música Catalana, St. Francesc de Paula, 2. Retaule, escultures de Francisco Leiro amb motiu del centenari del Palau. Fins al 29 de juny. Palau Robert, Pg. de Gràcia 107. Julio Ubiña (1921-1988), selecció del seu treball a l''espai "La vitrina del fotògraf". Preu: gratis. Dates: fins al 25 de juny. Palau Robert, Pg. de Gràcia 107. Mercè Rodoreda. La mort de la innocència. Preu: gratis. Dates: fins al 15 de juny. Palau Robert, Pg. de Gràcia 107. 100 anys, 50 esdeveniments. Palau de la Música Catalana. Fins al 28 de maig. Sala Vinçon, Pg. Gràcia 96. Varius Family, presentació de la cadira Minivarius, d'Oscar Tusquets, en motiu del 25 aniversari de la cadira Varius. Dates: fins al 3 de maig. SETBA Zona d'Art, Plaça Reial 10. Raimond Vayreda, pintures. Dates: fins al 15 de maig. Vestíbul de la Torre Agbar, Diagonal 211. Els camins de l'aigua. Aigües de Barcelona (1867-2007), una història ciutadana. Fins al 4 de maig.

exposición m i s c e l a n e a - Barcelona- Sala d'actes de l'Escola Superior de Disseny i d'Art Llotja

2008-05-10T12:05:00.000-07:00

Clikear para ampliar
Proyecciones:
Daniel Sierra
Luciano Literas Rondón

Fotografía:
Daniel Casanova
Nils Becker
Gonzalo Bea Montenegro
Miquel Galcerán

Pintura:
Xavier Figuerola Salt
Sonia Ventura Morales
Lalo Kinast Pineda
Lucrecia Literas Rondón
Luis Val López
Antonia Cortijos
Mariano Cardín

Arquitectura:
José Del Gunn
Mariano Cardín
Sebastián Riveros
Julián Campos

Ilustración:
Juan Venegas

15 y 16 de mayo a partir de las 19 hs
Placa de la Verònica, 2.

2008-05-10T11:44:00.000-07:00

» L'Antic Teatre confirma la seva programació de risc i anuncia reformes

CANAL CULTURA

Espectacle de teatre clown 'El vaso (que colmó la gota)' amb Carlo-Mô
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
End date: 11/05/2008

Exposició de pintura 'Figuras literarias' de Lucrecia Literas
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
End date: 11/05/2008

Projecció de curtmetratges 'Short Scape'
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
Date: 12/05/2008

Exposició de pintura 'Síntomas' de Federico Duret
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
Begining date: 13/05/2008
End date: 05/06/2008

Performance 'Viatge poètic' amb Mad Actions, dins del Festival Acanada08
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
Date: 14/05/2008

Projecció de vídeos 'Videominute' i 'Magoproduction', dins el 'Loop'08, Festival Internacional de videoart'
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
Begining date: 15/05/2008
End date: 18/05/2008

Projecció de curtmetratges 'Future shorts'
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
Date: 20/05/2008

Concert 'Barnouche' presentat per Microcircuito
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
Date: 21/05/2008

Dansa-teatre 'Sola?' a càrrec de Cecilia Colacrai
Place: Associació Cultural L'Antic Teatre - L'Espai de Creació
Date: 22/05/2008